Известные русские и советские иллюстраторы
Евгения Мигунова считают одним из самых известных художников-иллюстраторов. Он закончил художественный факультет ВГИКа, а после иллюстрировал книги «Понедельник начинается в субботу», «Пароль «Стрекоза», «Гай До». Его работы узнаваемы, выполнены в черно-белом цвете и наделены особой атмосферой.
Смог создать уникальный авторский стиль русский иллюстратор Иван Билибин – преподаватель Академии художеств, театральный оформитель. Работы мастера отличаются обилием орнаментов и узоров, а также сказочностью образов.
Тем, кто любит сказочные сюжеты, понравятся работы Леонида Владимирского. Он умел создавать по-настоящему яркие иллюстрации, насыщенные энергией и солнцем. Лучшими иллюстрациями Владимирского считаются работы к произведению А. Волкова «Волшебник Изумрудного города».
Нельзя обойти вниманием Владимира Сутеева. Многие дети именно ему обязаны любовью к книгам
Сутеев — первый советский режиссер-мультипликатор. Он не только придумывал сюжеты к сказкам Корнея Чуковского, Маршака и Михалкова, но и рассказывал собственные истории. Он мог создавать настоящие шедевры иллюстрации, в которых сюжета было больше, чем в тексте.
Евгений Чарушин с детства увлекался произведением «Жизнь животных» Альфреда Брема. Под впечатлением от книги он рисовал животных с натуры в чучельной мастерской. Позже закончил Академию художеств и стал художником-анималистом. Творчество посвятил оформлению рассказов о животных. Иллюстрации Чарушина к книгам В. Бланки можно увидеть в Третьяковской галерее.
Виктор Исаевич Таубер – график, художник-иллюстратор. Иллюстрировал сказки Г. Х. Андерсена, братьев Гримм. Долгое время сотрудничал с детским журналом «Мурзилка», рисуя забавные сюжеты для малышей.
Александр Дейнека начал карьеру в качестве фотографа. В процессе работы формировался уникальный стиль. Позже он стал известным скульптором, графиком и художником. Известны некоторые его мозаики, которые сохранились на станциях метро в Москве.
Александр Самохвалов – советский акварелист, художник и иллюстратор. Долгое время был ведущим членом Ленинградского отделения Союза художников России. Он известен жанровой и портретной живописью. Среди его знаменитых работ «Кафе Гурзуф» 1956 года.
Сальвадор Дали
Дали — культовая фигура в искусстве и настоящий человек-оркестр. Его руке принадлежат не только живописные полотна, но также эскизы мебели, ювелирных украшений, платьев и здания собственного музея.
«Постоянство памяти», 1931 год. Изображение: Сальвадор Дали / Музей современного искусства, Нью-Йорк
Интерьер Театра-музея Дали в Фигерасе, объекты созданы по эскизам Сальвадора Дали. Фото: Kiev.Victor / Shutterstock
Одна из самых известных дизайнерских работ Дали — это логотип Chupa Chups, который дошёл до наших дней с незначительными изменениями. Он повторяет круглую форму леденца и размещается на упаковке сверху — для середины прошлого века это был необычный дизайн, который сделал продукт заметным на полках.
Логотип Chupa Chups, 1969 год. Изображение: Сальвадор Дали / Chupa Chups
Сюрреалист сотрудничал с разными издательствами и как иллюстратор.
Обложка журнала Vogue, Сальвадор Дали, 1944 год. Изображение: Сальвадор Дали / Vogue
Иллюстрация к «Алисе в Стране чудес» Льюиса Кэрролла, 1949 год. Изображение: Сальвадор Дали / Public Domain
Иллюстрация к «Божественной комедии» Данте, Сальвадор Дали, 1951–1964 годы. Изображение: Сальвадор Дали / Public Domain
Обложка журнала Town and Country, 1948 год. Изображение: Сальвадор Дали / Town and Country
Swatch и Венецианская биеннале
Сотрудничество с миром искусства и культуры швейцарский часовой бренд начал практически сразу после своего основания, в 80-е годы прошлого века. Так родилась программа арт-коллабораций, в рамках которой создаются лимитированные коллекции Swatch Art Specials. Среди представителей креативной индустрии, с которыми сотрудничал Swatch — художники Кит Хэринг и Сэм Франсис, режиссеры Педро Альмадовар и Акира Куросава, дизайнеры Пако Рабан и Вивьен Вествуд и многие другие.
Резиденты получают возможность жить и работать в историческом отеле в течение трех – шести месяцев, а после окончания программы представляют художественный проект.
Арт-резиденция Swatch в Swatch Art Peace Hotel в Шанхае. Фото: Swatch
Четвертый год подряд Swatch также является главным партнером форума Венецианская биеннале современного искусства, во время которого бренд представляет павильон с работами участников арт-резиденции, а также проекты известных художников. В 2015 году это была светящаяся инсталляция португальской художницы Джоанны Васконселос, а в этом году Swatch показала масштабную работу «Цветопад Джардини» британского абстракциониста Иэна Дэвенпорта. Кроме того, специально к выставке компания Swatch выпустила лимитированную модель часов, вдохновленную красочной инсталляцией живописца.
Инсталляция португальской художницы Джоаны Васконселос для Swatch на Венецианской биеннале 2015, Джардини. Фото: Swatch
Итог: Арт-программа Swatch включает сразу несколько инициатив. При этом партнерство с Венецианской биеннале дает бренду возможность показать их результаты – Swatch выставляет работы участников арт-резиденции, а также выпускает лимитированные коллекции часов в партнерстве с известными художниками.
Сотрудничество с креативным сообществом также вдохновляет бренд идти на риск и пробовать что-то новое. Один из самых ярких примеров – это партнерство Swatch со швейцарским художником Альфредом Хофкунстом в 1991 году, когда была выпущена лимитированная коллекция Veggie Set — две пары часов на тему завтрака — перец, огурец и яйца с беконом. Компании пришлось согласиться с задумкой художника и эти арт-модели продавались только на овощных рынках.
Чему можно поучиться:
- Выходить за рамки «спонсорства логотипов» и запускать инициативы, которые как способствуют выполнению бизнес-целей, так и вносят вклад в мир искусства.
- Создавать впечатления (например, при помощи выставок и других арт-мероприятий).
- Думать масштабно и работать со сферой культуры по разным направлениям.
- Действовать последовательно, год за годом развивая начатые инициативы.
Культурное пространство Cadillac House
Один из трендов в арт-коллаборациях — это создание так называемых гибридных пространств, которые используются как для бизнеса, так и для арт-проектов. Все чаще такие пространства создают именно бренды — например, Louis Vuitton, Vans, Red Bull и парижский универмаг Le Bon Marche.
В июне 2016 года компания Cadillac открыла при своей штаб-квартире в Нью-Йорке центр Cadillac House. Здесь проходят выставки и модные показы. Там же начинающие дизайнеры могут принять участие в менторской программе Retail Lab, которую автомобильный бренд проводит вместе с Советом модных дизайнеров Америки (Council of Fashion Designers of America). Благодаря участию в программе молодые таланты могут в тестовом режиме запустить ритейл-бизнес и получить консультацию экспертов.
Фото: Public School
Видео: Скульпторы VS Бронзеры ! Разбор моей коллекции 2022
Видео: Скульпторы VS Бронзеры ! Разбор моей коллекции 2022
По определению все искусство является выражением эмоций и воображения. Он начинается с концепции или идеи и расцветает в руках художника. В этом отношении нет никакой разницы между коммерческим искусством и изобразительным искусством — оба происходят одинаково. Разница заключается в почему художник ее создает.
Коммерческие против изобразительного искусства
Вы не ожидали увидеть коммерческое искусство в музее. Он создан для продажи чего-то, как правило, продукта.
Цель изобразительного искусства — создать эстетический объект, который ценится за его прекрасные и уникальные качества. Цель изобразительного искусства состоит в том, чтобы просто существовать и, таким образом, предоставлять наслаждение другим. Это не заставляет зрителя выходить, что-то делать или что-то покупать.
Изобразительное искусство уважается и критически приветствуется. Коммерческое искусство может быть оценено и признано, но оно не будет висеть в Лувре. Коммерческое искусство имеет тенденцию использовать приобретенные навыки, тогда как для изобразительного искусства требуется врожденный талант.
Коммерческое искусство включает рекламу, графический дизайн, брендинг, логотипы и иллюстрации к книгам. Изобразительное искусство включает в себя картины, скульптуры, гравюры, фотографии, инсталляцию, мультимедиа, звуковое искусство и производительность.
Историческая перспектива
Разница между коммерческим искусством и изобразительным искусством была довольно ясна вплоть до середины 20-го века. Коммерческое искусство включало телевизионные и печатные кампании, а также массовые изображения.
Изобразительное искусство состояло из уникальных уникальных предметов, таких как картины, скульптуры и работы на бумаге, которые экспонировались в галереях и музеях.
Тогда художественное движение, известное как поп-арт, подорвало и объединило эти разнообразные цели в 1960-х годах. Художники поп-музыки, такие как Энди Уорхол, выпускали изображения, используя инструменты коммерческого художника.
Шерстяные шкатулки Брилло Уорхола — незабываемый пример того, как коммерческое искусство слилось с изобразительным искусством.
Коробки Брилло Энди Уорхола
Философ Артур Данто объяснил, почему Энди Уорхол Брилло Коробки — это искусство, в то время как коробки с бриллиантами в супермаркете — нет. Хотя эти две коробки выглядят одинаково, Данто писал: «Учитывая две вещи, которые похожи друг на друга на любую выбранную степень, но одно из них — произведение искусства, а другое — обычный объект, что объясняет эту разницу в статусе?»
Данто понял, что искусство, такое как «Коробки Брилло» Уорхола, было гораздо больше, чем просто объектом, который нужно визуально воспринимать. Ему нужна была система, чтобы определить ее как искусство ». Именно роль художественных теорий, в наши дни, как всегда, сделать мир искусства и искусство возможными», — писал он в своем знаменитом эссе «Арт-мир». Другими словами, это художественная система галерей, кураторов, искусствоведов и художников, которые помогают определить, что такое изобразительное искусство и отличить его от коммерческого искусства.
The Crossover
Художники часто используют коммерческие методы в современной современной арт-сцене. Ярким примером является видеохудожник Пипилотти Рист, чьи видеоролики похожи на музыкальные клипы. Ее работы, тем не менее, выставлены в художественных галереях и музеях.
Несмотря на то, что в современном мире искусства сочетаются элементы как коммерческого, так и изобразительного искусства, художественные школы все еще сохраняют разделение между ними.
Студенты должны выбирать между специализацией в области изобразительного искусства или коммерческой графики при достижении степени.
Вот что означают диспетчеры воздушного движения и летчики, когда они используют термины тяжелые и большой при описании самолета.
Работа с pro bono включает в себя предоставление профессиональных услуг, за которые вы обычно взимаете плату. Добровольчество обычно является личным вкладом времени.
Различие между изобразительным искусством и декоративным искусством можно суммировать в Ренуаре против Уорхола, но линия между искусством формы продолжают размываться.
Особые виды
В искусстве иллюстрации есть особые виды. К ним относят ботаническую и техническую иллюстрацию.
Ботаническая
Ботаническая иллюстрация – это искусство отображения растений, его форм, частей, деталей, цветов. Их изображают рядом с описанием культуры в книгах, журналах, научных изданиях.
Сложным этот вид считается из-за того, что от иллюстратора требуется понимание морфологии растения, ему потребуется доступ к натуральным образцам и гербарию. Ботанические иллюстрации создают совместно с консультантом.
Техническая
Цель технической иллюстрации — точная передача того объекта, который находится под вниманием автора. Такой тип облегчает понимание описания, а также изучения объекта
Без подобных изображений в научно-технической литературе обучение некоторым дисциплинам было бы весьма затруднительным.
Энди Уорхол
Уорхол — графический дизайнер по образованию. Он родился и вырос, как раз когда эта профессия вполне официально появилась, а индустрия печатной рекламы расцвела.
Поп-арт Уорхола — это переосмысление эпохи потребления. В некоторых работах он перерисовывал от руки образы, тиражируемые в массовой культуре. Например, это холсты с супом Campbell.
, 1962 год. Изображение: Энди Уорхол / Wikimedia Commons
Начинал карьеру Уорхол не как деятель современного искусства, а как коммерческий иллюстратор — он создавал рекламную графику и обложки для журналов. Особенно известны его изображения туфель: он долго сотрудничал с обувным брендом I.Miller, а потом делал рекламу для Dior.
Реклама туфель I.Miller на развороте Harper’s Bazaar, 1960 год. Изображение: Энди Уорхол / Harper’s Bazaar / The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc. / Artists Rights Society (ARS), New York
Реклама туфель I.Miller, 1958 год. Изображение: Энди Уорхол / Oxford Art Journal
Иллюстрация для Vogue, 1957 год. Изображение: Энди Уорхол / Vogue / The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc. / Artists Rights Society (ARS), New York
Обложка журнала The Week, 1959 год. Изображение: Энди Уорхол / The Week / The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc. / Artists Rights Society (ARS), New York
Став известным деятелем поп-арта, Уорхол работал в разных техниках: рисовал, фотографировал, делал инсталляции, снимал кино, а также продолжал принимать заказы на рекламу и дизайн для журналов.
Отдельное направление работы Уорхола — дизайн обложек музыкальных пластинок. Например, он создал известную обложку с бананом для дебютного альбома The Velvet Underground. Оригинальная обложка была интерактивной. Она выходила с наклейкой в виде жёлтого банана в кожуре, которую можно было снять — и увидеть розовый очищенный банан.
Также ему принадлежит одна из самых необычных музыкальных обложек — для The Rolling Stones. На ней изображены брюки с настоящей молнией, расстегнув которую, можно увидеть эмблему группы. За эту работу Уорхол был номинирован на «Грэмми».
Google Arts & Culture
Хотели бы вы прогуляться по Британскому музею, сидя на любимом диване в Москве? Или рассмотреть мельчайшие детали недавно отреставрированного Гентского алтаря братьев Губерта и Яна ван Эйков, созданного более 600 лет назад? А может вы хотите присоединиться к стрит-арт экскурсии по Филадельфии, где уже более 30 лет уличные художники преображают город в рамках граффити-программы Mural Arts?
Онлайн-платформа Google Arts & Culture от Культурного института Google (Google Cultural Institute) стирает географические границы, ведь она дает доступ к цифровым коллекциям более 1200 культурных организаций и музеев мира из 70 стран, а это по меньшей мере 6 миллионов картин, фотографий, видео и документов.
Платформа Google Arts & Culture
Запущенный в 2010 году под именем Google Arts Project, Культурный институт Google вырос из персонального проекта инженера Амита Суда и его коллег, на который они должны были тратить лишь 20% рабочего времени.
Проект развивался, к нему присоединились новые партнеры и вскоре Амит Суд стал главой нового подразделения компании — Культурного института Google.
Виртуальный тур по Версальскому дворцу на платформе Google Arts & Culture
В 2013 году в Париже была открыта лаборатория Культурного института Google — Le Lab. В ней инженеры Google в тесном сотрудничестве с художниками разрабатывают и тестируют технологические решения, которые должны изменить наше восприятие искусства. Так, команде лаборатории удалось создать роботизированную гигапиксельную камеру Google Art Camera, с помощью которой можно оцифровать мельчайшие детали произведений искусства.
Еще одна разработка лаборатории — адаптированная версия Street View для виртуальных экскурсий по музеям и галереям мира. А очки виртуальной реальности для смартфонов Google Cardboard позволяют зрителю буквально переместиться внутрь художественного произведения.
Вы можете сами посмотреть на результаты экспериментов команды Le Lab на.
Страница Google Experiments – X Degrees of Separation, позволяющая проследить взаимосвязи между произведениями искусства
Команда Google также развивает приложение Tilt Brush, с помощью которого можно создавать произведения искусства в трехмерном пространстве. Несколько десятков художников со всего мира уже попробовали новинку во время арт-резиденций в лаборатории Le Lab.
В марте 2017 года Google впервые выступила партнером ярмарки современного искусства Art Basel в Гонконге, где была показана выставка «Виртуальные границы». На ней были представлены трехмерные работы пяти международных художников, которых организаторы ярмарки предварительно номинировали на участие в арт-резиденции Google.
Трехмерная работа художника Питера Чана, участника арт-резиденции Google, протестировавшего приложение Tilt Brush. Фото: Google
Итог: Культурная инициатива Google — некоммерческий проект, но он закрепляет за компанией роль визионера, который делает искусство более доступным.
Чему можно поучиться:
- Экспериментировать и давать шанс новым идеям. Культурный Институт Google вырос из небольшого любительского проекта, а в итоге стал организацией, которая меняет то, как мы воспринимаем и создаем искусство.
- Рассказывать истории. Одно из преимуществ платформы Google Art & Culture — это возможность интересно и увлекательно представить доступный на ней контент: например, в виде статей о ключевых течениях в искусстве и художниках, подборок по темам произведений и доминирующим в них цветам или же в виде онлайн-выставок.
- Привлекать партнеров. Помимо художников и галерей, компания также сотрудничает с ярмаркой Art Basel и проектом известных кураторов Саймона Кастетса и Ханса Ульриха Обриста 89plus. Этот проект посвящен исследованию творчества молодых художников, которые родились после 1989 года. Лаборатория Культурного института Google Le Lab проводит арт-резиденции, благодаря которым инженеры компании могут совершенствовать свои разработки.
BMW: Art Basel и премия BMW Art Journey
BMW сотрудничает со многими международными культурными организациями, фестивалями и выставками. С 1975 года бренд привлекает художников для создания специальных арт-автомобилей. Среди тех, кто работал над коллекцией BMW Art Cars — такие признанные мастера, как Александр Колдер (1975), Рой Лихтенштейн (1977), Энди Уорхол (1979), Олафур Элиассон (2007), Джефф Кунс (2010), Джон Бальдессари (2016) и многие другие.
Американский художник Джон Бальдессари с 19-й BMW Art Car в Майами. Фото: Chris Tedesco, BMW AG.
Автомобильный бренд также является многолетним партнером трех самых известных международных ярмарок современного искусства Art Basel, которые проходят в Гонконге, Базеле и Майами Бич. В 2015 году к этому сотрудничеству добавилась новая инициатива — премия BMW Art Journey.
От многочисленных корпоративных наград для начинающих художников ее отличает то, что BMW Art Journey обыгрывает ценности бренда — мобильность и движение. Премия представляет собой не просто денежный грант, а возможность совершить исследовательский проект-путешествие.
Первым в двухмесячное арт-путешествие по 30 городам мира отправился гонконгский художник и музыкант Самсон Янг. Во время своего исследования «По ком звонит колокол: путешествие по звуковой истории конфликтов» он записывал звучание колоколов, чтобы создать по итогам путешествия серию зарисовок и написать оригинальную музыку для звонарей и оркестра.
Художник также побывал в Санкт-Петербурге, где благодаря помощи компании он получил доступ к легендарным часам «Павлин» в Эрмитаже.
Победитель премии BMW Art Journey, гонконгский художник и музыкант Самсон Янг исследовал звуки колоколов, путешествуя по 30 городам на 5 континентах. Фото: BMW AG.
Другая обладательница премии, британская художница Абигейл Рейнолдс исследовала места шестнадцати бывших библиотек, исчезнувших в результате политических конфликтов, природных катастроф и войн. В течение пяти месяцев она путешествовала на мотоцикле по странам Шелкового пути (Китаю, Узбекистану, Турции, Египету и Ирану), делая заметки о своей поездке и собирая артефакты, а по итогам поездки Рейнолдс создала серию инсталляций.
Победительница премии BMW Art Journey, британская художница Абигейл Рейнолдс изучала места исчезнувших библиотек на Шелковом пути. Фото: BMW AG.
Следующий лауреат премии — художник из Лос-Анджелеса Макс Хупер Шнайдер в рамках проекта «Земная витрина: риф как событие» отправится исследовать систему коралловых рифов и то, как человек влияет на нее и на природу в целом. Во время путешествия художник собирается строить скульптуры из стеклянных и акриловых витрин, соединяющих в себе природные и искусственные системы.
Итог: BMW Art Journey отличается от других премий для начинающих художников. Она не ограничивается простым финансовым грантом и связью с ценностями бренда. Премия помогает появиться на свет новому произведению искусства. Кроме того, компания помогает художнику связаться с экспертами и необходимыми специалистами.
Чему можно поучиться:
- Мыслить нестандартно и стремиться найти уникальную нишу арт-проекта. Финансовый грант — не единственное, что бренд может предложить художнику. Не менее важны контакты, менторская поддержка и помощь с технологическими решениями для реализации проектов.
- Давать арт-партнеру полную креативную свободу. В инициативе BMW Art Journey художник сам выбирает маршрут исследования.
- Вовлекать в партнерство внешние аудитории. За путешествием победителя можно следить в реальном времени, читая его тревел-дневник, а результаты исследования художника представляются в зоне компании на ярмарке Art Basel.
Самые читаемые материалы
Открылся портал “Новый Вернисаж – Культура″
Шаг вперед. Уроки Салона “ЦДХ-2011″
Рольф Хоххут: “Писатель не вправе искажать исторические факты″
Открылся XIV Московский международный художественный салон “ЦДХ-2011. Художник. Город”
Честь – мундира?
“Сокровища из Москвы. Голландский рисунок из ГМИИ им. А. С. Пушкина”
Центр Искусств ЦДХ – Программа на Апрель 2011 г.
Презентация книги Рольфа Хоххута “Пьесы. Избранное”
Этот загадочный 3-й этаж
“Ты пойдешь со мной на фуршет…” Рассказ
Пьер-Поль Прюдон: первая подробная биография на русском языке
Должно ли искусство быть понятным?
“Над нами небо на всех одно…”
Таинство графики
Елизавета Петровна и Москва
Презентация новой книги Татьяны Устиновой “С небес на землю”
Елена Пирогова-Филиппова:“Русская актриса нужнее именно в России”
Дарья Донцова представила читателям две свои новые книги
III Независимый международный конкурс оперных исполнителей
Заседание Совета Международной конфедерации союзов художников
“Одна война” Веры Глаголевой
Благотворительный онлайн-аукцион
Рождественская ярмарка подарков в ЦДХ
VI ярмарка графических искусств “Худграф”
Общественная палата РФ обсудила судьбу православных святынь
Как понимать современное искусство
Цель – восстановить творческое общение
“Пустыня запрещенного искусства”
Гиперкачество реальности
Как спасти старые здания в провинции
“Химия и жизнь – ИЗОверсия”: концерт художественного свиста?
Выставка французского рисунка в ГМИИ им. А. С
Пушкина
“Пространственные искусства в западноевропейской художественной культуре XIII-XIX веков”
“А мне “Графика сюрреализма” не понравилась!” Реплика читателя
Графика сюрреализма в Государственном Историческом музее
Веселые человечки пришли на Крымский вал
Украинское изобразительное искусство: начало XXI века
Выставка туркменского художника Бердигулы Амансахатова в ЦДХ
15-я Международная выставка архитектуры и дизайна “АРХ Москва”
II Фестиваль Современного Испанского Дизайна
“Церковное шитье в древней Руси”
Прозаик Дина Рубина провела встречу с читателями
“Если камень на камень кладет дурак, он не строит, а разрушает” (I)
“Если камень на камень кладет дурак, он не строит, а разрушает” (II)
“Коммерческое искусство”, “некоммерческое искусство” и искусство манипуляции
Осторожно: фиолетовые мутанты
Выставка “Жуки и цветы” в галерее “Гараж” на Николиной горе
Встреча с легендарным сценаристом и художником Тонино Гуэрра состоялась
Арт-манеж-2010
Сайт галереи искусств “Колизей Арт”
«Общество спектакля» — Ги Дебор
«Общество спектакля» — это политический трактат 1967 года, где изложены основные идеи Ситуационистского интернационала (СИ) — левого движения, связанного со студенческими протестами 1960-х. Ситуационисты критиковали капитализм и протестовали против культуры потребления. Автор манифеста — лидер СИ, художник и режиссер Ги Дебор.
В «Обществе спектакля» есть два важных термина — «спектакль» и «ситуация», которым даны новые значения:
«Спектакль» — это отчуждение от собственной жизни: выборы, реклама, коммерческое искусство и весь контент, который мы потребляем.
«Ситуация» — способ вернуть себе власть над собственной жизнью, понимание своих желаний (в общем, все то, что мы сегодня назвали бы осознанностью).
После выхода книги Ги Дебор снял фильм «Общество спектакля»: кадры новой застройки, работы на заводах, модных фотосессий и кинопоказов сопровождаются текстом о том, что все это — иллюзия, настоящая жизнь скрывается за этим фасадом.
: обложка первого издания «Общества спектакля», : кадр из фильма Ги Дебора «Общество спектакля»
СИ повлиял на уличное искусство, урбанистику, некоторые направления панка — например, группу Sex Pistols основали ситуационисты Малкольм Макларен и Джереми Рид.
Концентрат манифеста
#1. Практикуй dérive (дрейф). Так называется экспериментальное поведение в городском пространстве — из этой идеи выросли паркур и стрит-арт. Нарушай ожидания, импровизируй, забирайся в недоступные места.
#2. Будь реалистом — требуй невозможного. Если быть удобным, делать то, чего ожидает от тебя общество, — ни перемен, ни творческого прорыва не случится. Иди дальше, не бойся дискомфорта.
#3. Возвращай себе идеи, присваивай пространства. Потребление создает ощущение, что ты обладаешь всем, — но на самом деле это только картинка на экране. Высмеивая и доводя до абсурда эту иллюзию, мы возвращаем себе контроль.
Виды
Основные виды иллюстраций:
- заставка;
- концовка;
- фронтиспис;
- полостная, полуполостная, разворотная;
- оборонная;
- буквица.
Заставки размещают в начале главы для того, чтобы настроить читателя на новый материал. Их значение – показать начало следующей части повествования. Нередко отображают сцену, которую описывает автор в начале. Иллюстрации-заставки могут быть символическими или декоративными.
Пример иллюстрации-концовки
Иллюстрации-концовки помещают в конце глав, частей или самой книги. Как и заставки, они могут быть тематическими, сюжетными, символическими, иметь орнамент. Заставку и концовку выполняют в едином стиле, поскольку они взаимосвязаны между собой.
Фронтиспис размещают на развороте с титульным листом с левой стороны. Такой вид иллюстрации показывает идею повествования. Иногда она представляет собой портрет автора.
Полостная иллюстрация занимает всю страницу и часто используется для детской литературы. Содержание изображения напрямую относится к предыдущему тексту или последующему. Для подобного вида иллюстраций подбирают значительное событие, отраженное в произведении. Ее разновидность – полуполостная иллюстрация, которую располагают на половине страницы. Разворотная занимает две страницы.
Оборонной иллюстрацией называют небольшой рисунок, который окружен текстом. Он отображает незначительные события.
Народные русские сказки
Буквица – это красиво оформленная первая буква в тексте. Обычно ее стилизуют под жанр или эпоху.
