Как увидеть шедевры живописи своими глазами
Ввиду огромной заинтересованности туристов в посещении музея рекомендуется заранее бронировать экскурсии. Поэтому всем, кого интересует живопись Эрмитажа в Санкт-Петербурге, рекомендуем воспользоваться предложениями, размещёнными на «Спутнике». Одному там ориентироваться слишком сложно, даже с путеводителем. А опытный и увлечённый экскурсовод проводит вас по самым значимым отделам и познакомит с главными произведениями.
Предлагаем забронировать любую экскурсию по Петербургу на нашем сайте — так вы точно попадёте куда хотели. Это удобно. Оплатить экскурсионный тур также можно онлайн. Выбирайте гида и отправляйтесь в Эрмитаж, чтобы увидеть произведения российской и всемирной значимости!
Сандро Боттичелли
Продолжительность жизни: 1445 — 17 мая 1510
Национальность: итальянец
Сандро Боттичелли
Боттичелли был, пожалуй, величайшим гуманистическим художником раннего Возрождения. Он написал широкий спектр мифологических и религиозных сюжетов, а также несколько портретов. Боттичелли стремился запечатлеть красоту и добродетель с помощью своих работ. Богиня Венера, которая представляет эти качества, появляется во многих его работах. Искусство Боттичелли известно своим визуальным блеском и декоративным качеством, которого нет в картинах преуспевающих художников эпохи Возрождения. Его картины «Рождение Венеры и Примаверы» — две из самых известных картин эпохи Возрождения. Боттичелли вырос, чтобы стать одним из ведущих художников своего времени, но после его смерти его репутация была испорчена до конца 19-го века. Однако с тех пор его искусство снова стало цениться критиками и публикой. Сегодня он стал одним из самых известных художников эпохи Возрождения, чьи работы представляют линейную грацию живописи раннего Ренессанса.
Шедевр: Рождение Венеры (1486)
Рождение Венеры (1486)
Другие известные работы:
- Примавера (1482)
- Поклонение волхвов (1476)
Фресковая живопись
Фрески пользовались огромной популярностью в Италии, как уже говорилось, во времена Джотто. Но распространены они были и в других странах, и в другие периоды. Слово «фреска» – итальянское, оно переводится как «свежий». В современном мире принято считать фресками любую настенную живопись, на самом деле это далеко не так. Фреска – картина, написанная исключительно поверх сырой свежей штукатурки
Мастера, работавшие таким образом, были вынуждены трудиться очень быстро, мало того, их работа затягивалась на определенное время, потому что важно было успеть «закрасить» еще не высохший слой. Если же штукатурка уже переставала быть влажной, писать по ней не имело смысла
Благодаря появлению и развитию фресковой живописи мы имеем возможность любоваться сегодня многими шедеврами – широко известна, например, роспись Сикстинской капеллы.
Кубизм в живописи
Кубизм — одно из модернистических течений XX в., порвавшее с реализмом, которое выдвинуло на первый план
формально-пластический эксперимент: разложение реальной предметной формы на простейшие объемные элементы (куб, шар,
цилиндр, конус) и конструирование комбинаций этих объемов на плоскости.
Кубизм был как раз тем течением, которое обосновывалось то субьективно-идеалистической философией, то правом
по-своему видеть мир, то аналогиями с научными открытиями XX в., то антибуржуазностью своей позиции. И
действительно, кубизм входил в круг бунтарских течений, бросавших вызов «добропорядочности» буржуазного миропорядка
и красивости официального салонного искусства.
Представители раннего кубизма (П. Пикассо, Ж. Брак, А. Глез, Ж. Виллон, Х. Грис и др.) отличались демократичностью,
они противопоставляли официальному искусству простые весомые формы, элементарные мотивы, аскетический цвет. Так, в
картинах Пикассо кубического периода создается трагический образ изломанного мира. В 1910-х гг. в кубизме
возобладали черты внешней декоративности, плоскостные, узорные построения, приближавшиеся к абстрактному
искусству.
Кубизм был родоначальником бесчисленных модернистических течений XX в.
Кубизм оказал влияние на скульптуру, на футуризм в Италии и России, конструктивизм в России и экспрессионизм в
Германии.
В 1910 г. в Италии выступила группа живописцев-футуристов (Джио Северини, Умберто Боччони, Карло Кара, Джакомо Балла.
Мы помним, что лидером и идеологом движения был Филиппо Маринетти.
Фовизм
В только что учрежденном Осеннем салоне в Париже в 1905 году А.Матисс, А.Дерен, Ж.Брак, М.Вламинк, А .Марке, Ж.Руо, К.Ван Донген, Р.Дюфи выставили полотна в отдельном зале, заявив тем самым о рождении нового творческого объединения.
Как и в случае с импрессионистами, критики начали осыпать их бранью, придумав кличку “фовисты” (”хищники”), намекая на “дикий” колорит полотен. Правда, судьбы членов группы вскоре разошлись. После нашумевшей выставки они собирались вместе редко, но на протяжении нескольких лет продолжали работать в размашистой манере, намеренно огрубляя рисунок и обобщая формы.
Для Матисса, Дерена, Вламинка фовизм стал лишь этапом большого творческого пути. К.Ван Донген и Р.Дюфи остались верны напряженно- эмоциональному цвету до конца жизни. И они сохранили задор молодости и оптимизм, несмотря на ужасы пережитых двух мировых войн.
Напротив, такой мастер, как Ж.Руо, изначально изгнал мажорные, светлые тона из своего искусства. Острый драматизм — вот его программа.
Пейзажи фовистов радовали глаз и будоражили воображение, но и утомляли однообразием. Казалось, что от нагнетания красочной стихии напряженность цвета стала убывать. Необходим был выход за пределы интимного разговора “внутри” сочетаний цвета.
К.Ван Донген.Женщина в черной шляпе.1908
“Танец” и “Музыка” Матисса
Такой шаг сделал Матисс в 1910 году, исполнив по заказу московского мецената С.И.Щукина панно “Танец” и “Музыка” для его особняка. В этих декоративных работах запечатлен образ ритмично организованного космоса. В предельно простом колорите “Танца” — сочетаниях зеленого, синего и красного — как бы воплощаются земля, небо и огонь. Языки пламени превратились в несущиеся в стремительной пляске фигуры. Панно “Танец” и “Музыка” — первые образцы монументальной живописи 20-го века, которой предстояло создать в разных странах произведения огромной силы звучания.
Сам Матисс в конце творческого пути распишет капеллу в городе Ванс (Франция). Но художественные откровения первых лет столетия так и останутся непревзойденными.
А.Матисс.Музыка.1910
Музыка
В музыке не происходило столь значительных изменений, как в других видах искусства. Но и она подверглась влиянию индустриальной цивилизации, национально-освободительных и революционных движений, которые сотрясали Европу на протяжении всего столетия. В XIX в. музыка вышла за пределы дворцов вельмож и церковных храмов. Она становилась более светской и более доступной для широких слоев населения. Развитие издательского дела способствовало быстрому печатанию нот и распространению музыкальных произведений. В это же время создавались новые и совершенствовались старые музыкальные инструменты. Пианино стало неотъемлемой и обыденной вещью в доме европейского буржуа.
Вплоть до конца XIX в. господствующим направлением в музыке был романтизм. У его истоков стоит гигантская фигура Бетховена. Людвиг вон Бетховен (1770— 1827) с уважением относился к классическому наследию XVIII в
Если и вносил изменения в сложившиеся правила музыкального искусства, то делал это осторожно, стараясь не обидеть своих предшественников. Этим он отличался от многих поэтов-романтиков, которые часто ниспровергали всех и вся
Бетховен был столь гениален, что, даже будучи глухим, мог создавать бессмертные произведения. Его знаменитые Девятая симфония и «Лунная соната» обогатили сокровищницу музыкального искусства.
Музыканты-романтики черпали вдохновение в народных песенных мотивах и танцевальных ритмах. Часто обращались в своем творчестве к литературным произведениям — Шекспира, Гёте, Шиллера. Некоторые из них проявляли склонность к созданию гигантских оркестровых произведений, чего и в помине не было в XVIII в. Но это стремление так отвечало мощной поступи индустриальной цивилизации! Французский композитор Гектор Берлиоз особенно поражал грандиозностью своих замыслов. Так, он написал сочинение для оркестра, состоящего из 465 музыкальных инструментов, включая 120 виолончелей, 37 басовых, 30 пианино и 30 арф.
Никколо Паганини (1782—1840). Итальянский скрипач и композитор.Обладал такой виртуозной техникой, что ходили слухи, будто бы не иначе как сам дьявол обучил его игре на скрипке. В середине музыкального исполнения скрипач мог порвать три струны и продолжать играть столь же выразительно на единственной оставшейся струне
Джузеппе Верди (1813—1901)
Людвиг ван Бетховен (1770—1827)
Фредерик Шопен (1810—1849)
В XIX в. многие европейские страны дали миру великих композиторов и музыкантов. В Австрии и Германии национальную и мировую культуру обогатили Франц Шуберт и Рихард Вагнер, в Польше — Фредерик Шопен, в Венгрии — Ференц Лист, в Италии — Джоакино Россини и Джузеппе Верди, в Чехии — Бедржих Сметана, в Норвегии — Эдвард Григ, в России — Глинка, Римский Корсаков, Бородин, Мусоргский и Чайковский.
С 20-х гг. XIX в. в Европе начинается увлечение новым танцем — вальсом. Вальс возник в Австрии и в Германии в конце XVIII в., произошел от австрийского лендлера — традиционного крестьянского танца
Донателло
Продолжительность жизни: 1386 — 13 декабря 1466
Национальность: итальянец
Донателло
Донателло вместе со своим другом, известным архитектором Филиппо Брунеллески, совершил поездку в Рим и изучил древнеримские руины, которые до сих пор не изучались в таких подробностях. Донателло и Брунеллески продолжали оказывать большое и глубокое влияние на искусство и архитектуру эпохи Возрождения. Донателло дал другое направление западной скульптуре, уводя ее от господствующего готического стиля, отмеченного мягко изогнутыми линиями и невыразительным лицом, к классическому стилю с драматическими выражениями и детальным реализмом. Он также впервые применил несколько художественных приемов, которые будут иметь огромное влияние на последующие поколения художников эпохи Возрождения. Донателло был ведущим скульптором раннего Ренессанса, и он создал некоторые из самых известных скульптур в мире, включая Бронзового Давида и конную статую Гаттамелаты.
Шедевр: бронзовый Давид (1440-е годы)
бронзовый Давид (1440-е годы)
Другие известные работы: —
- Конная статуя Гаттамелата (1453)
- Кающаяся Магдалина (1455)
Архитектура
Развитие индустриальной цивилизации оказало огромное воздействие на европейскую архитектуру. Научно-технические достижения способствовали нововведениям. В XIX в. намного быстрее строились крупные здания государственного и общественного значения. С в строительстве стали применяться новые материалы, особенно железо и сталь. С развитием фабричного производства, железнодорожного транспорта и больших городов появляются новые типы сооружений — вокзалы, стальные мосты, банки, крупные магазины, здания выставок, новые театры, музеи, библиотеки.
Архитектура в XIX в. отличалась разнообразием стилей, монументальностью, своим практическим назначением.
Фасад здания Парижской оперы. Построено в 1861 —1867 гг. Выражает эклектическое направление, вдохновлено эпохой Ренессанса и барокко
На протяжении всего столетия наиболее распространенным был неоклассический стиль. Здание Британского музея в Лондоне, сооруженное в 1823—1847 гг., дает наглядное представление об античной (классической) архитектуре. Вплоть до 60-х гг. модным был так называемый «исторический стиль», выразившийся в романтическом подражании архитектуре средних веков. В конце XIX в. наблюдается возврат к готике в строительстве церквей и общественных зданий (неоготика, т. е. новая готика). Например, здание парламента в Лондоне. В противовес неоготике возникает новое направление ар-нуво (новое искусство). Для него были характерны извилистые плавные очертания зданий, помещений, деталей интерьера. В начале XX в. возникло еще одно направление — модернизм. Стиль модерн отличается практичностью, строгостью и продуманностью, отсутствием украшений. Именно этот стиль отразил суть индустриальной цивилизации и в наибольшей степени связан с нашим временем.
По своему настроению европейское искусство конца XIX — начала XX в. было контрастным. С одной стороны, оптимизм и бьющая через край радость бытия. С другой стороны, неверие в созидательные возможности человека. И в этом не следует искать противоречия. Искусство лишь отражало по-своему то, что происходило в реальном мире. Глаза поэтов, писателей и художников были острее и зорче. Они видели то, чего не видели и не могли видеть другие.
ЭТО ИНТЕРЕСНО ЗНАТЬ
Использованная литература:В. С. Кошелев, И.В.Оржеховский, В.И.Синица / Всемирная история Нового времени XIX — нач. XX в., 1998.
Леонардо Да Винчи
Продолжительность жизни: 15 апреля 1452 г. — 2 мая 1519 г.
Национальность: итальянец
Леонардо Да Винчи
Леонардо да Винчи был идеальным человеком эпохи Возрождения, величайшим Вселенским Гением, который, помимо прочего, был художником, математиком, инженером, архитектором, ботаником, скульптором и анатомом. Однако, в течение четырех столетий после его смерти его слава, прежде всего, почивала на лаврах художника. Детальное знание анатомии, света, ботаники и геологии помогло ему создать некоторые из самых известных шедевров в истории. Да Винчи известен тем, что запечатлевает тонкие выражения, благодаря которым его картины выглядят более живыми, чем другие. Он сделал многочисленные вклады в области искусства, включая его пионерские методы, известные как сфумато, плавный переход от света к тени; и чиароскуро, использование сильных контрастов между светом и темнотой для достижения трехмерного эффекта. Да Винчи нарисовал Мона Лизу, самую известную картину в мире. Другие известные работы в его искусстве включают «Тайную вечерю», наиболее воспроизводимую религиозную живопись; и Витрувианский Человек, один из самых воспроизводимых художественных образов. Леонардо да Винчи, без сомнения, самый известный художник эпохи Возрождения.
Шедевр: Мона Лиза (1517)
Мона Лиза (1517)
Другие известные работы:
- Тайная вечеря (1498)
- Витрувианский человек (1490)
Всемирная выставка 1900 г. в Париже.
Всемирная выставка 1900 года в Париже
20-й век горделиво открылся Всемирной выставкой в Париже. Она проходила с 15 апреля по 12 ноября 1900 года. На огромной территории перед глазами любопытной толпы была развернута история мировой культуры. Пожалуй, впервые новая эпоха праздновала рождение на ярмарке. Пестрота выставочных павильонов. Этнография соседствовала с роскошью стиля модерн. Африканская и средневековая азиатская скульптура рядом с гигантскими мраморными и бронзовыми группами салонных мастеров. Фотография поблизости с кустарным ремеслом.
Все задавало праздничный тон. Разностилье заявило о себе со всей очевидностью. Выставка поставила под сомнение саму возможность создания стиля, способного примирить противоположные эстетические каноны.
Впервые, пусть еще робко, зрели ростки недоверия к непогрешимости европейской культурной традиции. Бегство Гогена из Франции на Таити стало первым симптомом разочарования в ней. В сознании художников разрушались казавшиеся незыблемыми идеалы европейской классической гармонии.
Подлинную гордость начавшегося века представлял резкий взлет техники. Инженерные диковины впечатляли на выставке не меньше, чем многометровые статуи и холсты, виртуозно исполненные мастерами Салона.
Над Парижской выставкой господствовала Эйфелева башня. Над ней еще смеялись, обвиняли в нелепости, уродстве, порче благородного ландшафта древнейшей европейской столицы.Но уже через 5-6 лет башня станет символом нового века. Ее воспоют поэты и художники. Горожане лицезрели невиданную индустриальную архитектуру, ходили по мостам с ажурными металлическими конструкциями, работали на фабриках и заводах, где все предельно функционально и подчинено утилитарным потребностям.
Абстракционизм в живописи
Явлением международного масштаба было абстрактное искусство.
Абстракционизм — направление в искусстве XX в., отказавшееся от изображения
реальных предметов и явлений в живописи,
скульптуре, графике. Абстракционизм является крайним проявлением модернизма.
В 1912 г. на выставке «Ослиный хвост» выступили основатели новых абстракционистских течений: супрематист Казимир
Малевич и конструктивист Владимир Татлин. В 1913 г. «Черный квадрат» Малевича довел до логического конца принципы
абстрактного искусства.
В 1912—1913 гг. абстрактные картины начали создавать
- француз Робер Делоне,
- чех Франтишек Купка,
- испанец Франсиско Пикабия,
- итальянский футурист Джакомо Балла,
- голландец Пит Мондриан.
Все модернистические течения объединяло
стремление художников своим творчеством участвовать в познании и преобразовании мира, стремление определить общие
задачи и место изобразительного искусства в жизни людей.
А теперь поподробнее остановимся на творчестве наиболее ярких художников и скульпторов конца XIX — начала XX вв.
Дадаизм в живописи
Между 1916—1919 гг. в Швейцарии, Париже, Нью-йорке и Берлине сложился дадаизм. Дадаизм (от фр.
«детский лепет») — крайнее анархическое течение (1916—1922), воспринимавшее войну как развязывание в человеке
извечных звериных инстинктов, а разум, этику и эстетику как лицемерную их маскировку. Художники-дадаисты
проповедовали культ инстинкта и антиэстетизм.
Представителями этого течения являются
- Пауль Клее и София Тайбер (Швейцария),
- Пикабия (Испания),
- Марсель Дюшан и Жан Арп (Франция),
- Макс Эрнст и Курт Швиттерс (Германия).
Продуктом их творчества являлись псевдотехнические чертежи,
бессмысленные комбинации предметов (нередко хлам) на плоскости или в объеме и даже заборные каракули.
После 1-й мировой войны дадаизм во Франции слился с абстрактным искусством и сюрреализмом, а в Германии — с
экспрессионизмом.
Понятно, что реакция на развязывание войны была не только в лице дадаистов. В 1916—1917 гг., когда отошли первые
потрясения войны появляются взволнованные картины народных бедствий Кете Кольвиц, Франса Мазереля и др., которые
отбросив хитросплетения модернизма, нашли простые разящие средства, чтобы заклеймить бесчеловечие войны, ее ужасы,
страдания простых людей.
Альбрехт Дюрер
Продолжительность жизни: 21 мая 1471 г. — 6 апреля 1528 г.
Национальность: немец
Альбрехт Дюрер
Альбрехт Дюрер был блестящим художником и рисовальщиком, его наибольшее художественное влияние было оказано на печатное производство. Он начал свою карьеру в качестве ученика Михаэля Вольгемута, который возглавлял большую мастерскую и был лидером среди художников, возрождающих стандарты немецкой гравюры в то время. Еще в двадцатилетнем возрасте Дюрер завоевал свою репутацию и влияние в Европе благодаря своим высококачественным гравюрам на дереве. Он продолжил революцию в печатном производстве, подняв его до уровня самостоятельной художественной формы, и он считается одной из главных фигур в истории печатного искусства. Дюрер общался с крупнейшими итальянскими художниками своего времени, включая Рафаэля и Да Винчи. Его введение классических мотивов в северное искусство было важным вкладом в германское возрождение. Альбрехт Дюрер считается величайшим немецким художником эпохи Возрождения. Он оказал глубокое влияние на художников последующих поколений, особенно в печати.
Шедевр: Меленколия I (1514)
Меленколия I (1514)
Другие известные работы: —
- Автопортрет в возрасте двадцати восьми лет в пальто с меховым воротником (1500)
- Молящиеся руки (1508)
Футуризм
В конце первого десятилетия 20-го века возникают новые направления живописи: футуризм в Италии и кубо-футуризм в России. ( Футуризм — от лат. futurum — будущее)
Идеологом итальянской ветви стал литератор Ф.Маринетти, провозгласивший в 1909 году манифест движения. Футуризм спешил слиться с грядущим царством техники, найти в нем свое место. Этому способствовали динамические построения кубистов и экспрессионистов.
Итальянские художники Л.Руссоло, У.Боччони, Д.Северини, Д.Балла стремились воспевать мир машин. Здесь и рычащий гоночный автомобиль, и всемогущее электричество. Более того, ставили цель воплотить на холсте такие абстрактные понятия, как движение, свет, аромат, смех.
Л.Руссоло.Аромат.1910
Реалистическая живопись
Отказываясь от классических идеалов гармонического совершенства, приходит к более полному, конкретно-достоверному, часто повышенно-наглядному изображению жизни реалистической живописи, основывающейся на непосредственном наблюдении характерных явлений действительности: Г. Курбе, Ж. Ф. Милле, О. Домье, К. Коро, мастера барбизонской школы во Франции; Дж. Констебл в Англии; А. Менцель, В. Лейбль в Германии; А.Г. Венецианов, П.А. Федотов в России.
Живопись демократического реализма широко показывает быт и труд народа, его борьбу за свои права, обращается к важнейшим событиям истории, создает яркие, психологически-углубленные образы простых людей и передовых общественных деятелей; во многих странах возникают школы национального реалистического пейзажа. Особой социально-критической остротой отличается тесно связанная с буржуазно-демократическим этапом русского революционного движения живопись передвижников и близких к ним художников — В.Г. Перова, И.Н. Крамского, И.Е. Репина, В.И. Сурикова, В.В. Верещагина, И.И. Левитана.
Западная живопись: самые популярные произведения мирового искусства
Картинная галерея Эрмитажа хранит работы западных мастеров кисти, написанные с XIII по XX вв. Здесь представлены английские, старонидерландские, фламандские, итальянские, испанские, германские и французские картины. Итальянская коллекция — всегда на слуху. Она интересна произведениями художников эпохи Возрождения (Леонардо да Винчи, Тициан, Рафаэль, Джорджоне). Здесь также выставлены картины Рафаэля Санти и других знаменитых мастеров.
Часть работ выкупалась покупалась для Эрмитажа по личным императорским приказам. Многие картины передавались в музей безвозмездно. Во время прихода к власти коммунистов многие экспонаты были проданы, что нанесло определённый ущерб величию музея. Среди проданных полотен — работы Тициана, Боттичелли, Рафаэля. Всего их — 48. Ущерб оценивать трудно, да и не нужно, ведь здесь остались картины, ради которых приезжают любители искусства со всего мира!
Леонардо да Вичи. Мадонна Литта
Настоящая гордость Эрмитажа. У художника 19 работ, и целых 2 находятся здесь. Сотрудники музей были крайне заинтересованы в приобретении этой картины у семьи итальянских аристократов ещё в XIX веке. Представитель семейства был подданным России, и за полвека до покупки полотно уже побывало в наших краях, но успело вернуться на родину. Сейчас на него любуются посетители петербургского музея.
Размеры картины небольшие — всего 41х32 см. Но если хорошенько присмотреться — можно увидеть столько мельчайших деталей, что о размере думать не приходится. Это произведение — вне времени и рамок.
Женщина смотрит на младенца, устремившего грустный взгляд в сторону зрителя. История этой сцены: за 5 минут до этого события Богородица решила отучить ребёнка от кормления грудным молоком и зашила специальные вырезы. Но дитя так плакало, что пришлось разорвать зашитый вырез. Эта картина может считаться символом материнского милосердия и любви.
Рембрандт. Возращение блудного сына
Произведение конца XVII века представляет сцену прощения отцом своего блудного сына, промотавшего всё наследство. Атмосфера полумрака придаёт картине особый интерес. Полотно создано по сюжету из Евангелия от Луки. Покупкой этой картины была заинтересована сама императрица Екатерина Великая. Это произошло в 1766 году. Около данного экспоната в Эрмитаже всегда многолюдно. Интересно, что это последняя работа Рембрандта.
Гейнсборо. Дама в голубом
Этот шедевр поражает своей красотой. Изящный образ дамы и потрясающие оттенки голубого — смотреть на картину можно бесконечно. Она была передана Эрмитажу даром. Гейнсборо не был любителем портретной живописи, но зарабатывал ею на жизнь. И слава пришла к нему как раз благодаря портретам. Произведение поражает своей лёгкостью, мимика изображённой девушки передана идеально. В каждом мазке прослеживается утончённость и мастерство великого голландского художника.
Матисс. Танец
Одно из ключевых произведений в стилистике модернизма. Оно изображает людей, радующихся прогрессу, развитию культуры, искусства. Поначалу в обществе слишком критично отнеслись к этой работе французского художника, но потом её отнесли к категории великих. В Россию полотно попало, благодаря купцу Щукину. Как и картину, его ругали за странные вкусы. Сначала он отказался от покупки, но потом изменил решение и извинился перед Анри Матиссом.
Мы рассмотрели только 4 работы, а в музее их тысячи. Коллекция живописи Эрмитажа включает работы Рафаэля, Гогена, Караваджо и других величайших художников. Маршрут по музею построить крайне трудно из-за количества экспонатов. Поэтому лучше наслаждаться произведениями в компании с гидом.
Стили
Основным стилем живописи в начале Средневековья в Западной Европе принято считать романский. Чуть позже появился готический стиль. Однако до появления и того и другого живопись все равно существовала. Как уже упоминалось выше, это было так называемое варварское искусство, имевшее мало общего с культурой античных времен. Люди боялись природы, обожествляли ее, что нашло отражение и в живописи – изображений природы, как и человека, в искусстве раннего Средневековья крайне мало. В основном популярностью пользовался орнамент, где и проявлялся уже упомянутый «звериный» стиль. Так продолжалось вплоть до восьмого века, когда постепенно в орнамент стали вплетаться изображения Христа и человеческой фигуры в принципе.
Романский стиль, появившийся вслед за этим, доминировал в искусстве Средневековья на протяжении трех веков подряд. Главное место в нем отводилось не живописи, но архитектуре. Большая часть памятников искусства этого периода и стиля создавалась во Франции. Основными тенденциями, по которым сразу можно отличить романский стиль, были узкие окна в зданиях, старинная фреска и витражи – яркие пятна на темных стенах. Архитектура романского стиля считалась мрачной, витражи были призваны «оживить» ее. Чаще всего они изображали сюжеты из жития святых, гораздо реже – быт простых людей. То же самое прослеживалось и в живописи.
готического стиля.еще-утонченныйдалекийзавершенности
Очень популярным в то время было создание миниатюр, которое берет начало во Франции. Оно отличается появлением новых реалистичных деталей – например, различных животных, насекомых или птиц. Плавные легкие линии, мягкость в изображении черт лица – все это характерно для искусства того периода.
