Флорентийская школа живописи

Поздний маньеризм [ править ]

Бронзино (ум. 1572), ученик Понтормо, был в основном придворным портретистом при дворе Медичи в несколько холодном формальном стиле маньеризма. В том же поколении Джорджо Вазари (ум. 1574) гораздо лучше запомнился как автор « Жизни выдающихся художников, скульпторов и архитекторов» , оказавших огромное и прочное влияние на укрепление репутации флорентийской школы. Но он был ведущим художником исторической живописи при дворе Медичи, хотя его работы сейчас обычно рассматриваются как напряженные после воздействия, которое оказывает работа Микеланджело, и неспособность достичь его. Это стало общей ошибкой флорентийской живописи к десятилетиям после 1530 года, поскольку многие художники пытались подражать гигантам Высокого Возрождения.

Тональная живопись

Тициан — «Три возраста человека» (1512 г.)

Важнейшей стилистической особенностью венецианской живописи был тонализм. Тоном цвета считается то количество света, которое он отражает. Если на объект попадает большое количество света, он будет отражать больше света, и мы будем видеть его в светлом тоне. Если он освещен более слабым источником света, его цвет станет темным. Глаз предрасположен воспринимать цветовые тона как интенсивность света в сцене, на которую он смотрит.

Эта техника создала новый трехмерный эффект в живописи, не используя перспективу. Чтобы показать перспективу необходима архитектура, подчиняющая себе живопись. Тонализм венецианской живописи — это новая возможность, передать пространственную глубину в живописном изображении, не прибегая к линейной перспективе.

Ещё одним стилистическим значением тонализма является то, что он придаёт атмосфере картин характер, ставший важной характеристикой венецианской живописи. Небо больше не является нейтральным фоном, а создает восприятие атмосферы, как в случае с «Бурей» Джорджоне, где одним из самых завораживающих элементов картины является именно то атмосферное ощущение, которое запечатлено в небе и в воздухе изображённой сцены

И все-таки она вертится

Кафедральный собор Санта-Мария дель Фьоре — гордость Флоренции и одно из ее центральных произведений искусства, к которому приложили талант большинство гениев Ренессанса. Великий архитектор Филиппо Брунеллески создал гениальнейший по своей конструкции купол, а Леонардо да Винчи со своим учителем Андреа дель Верроккьо — венчающий его медный шар.

— Красиво, — обращаюсь я к художнику, продающему у собора акварели с видами Флоренции. — Наверное, у местных жителей гениальность в крови?

— Гениальность — скажешь тоже! — усмехается городской пейзажист. — Небольшие способности к рисованию, и все.

Отстояв получасовую очередь в Дуомо, я оказываюсь внутри, под куполом. Запрокинув голову и вытаращив от восторга глаза, рассматриваю фрески Джорджо Вазари — потрясающие и ужасающие одновременно сцены Страшного суда. Шепчу себе под нос: «Грандиозно».

Рафаэль (1483—1520).

Рафаэль. Автопортрет. 1506. Галерея Уффици, Флоренция, Италия.

Рафаэль никогда не был в забвении. Его гениальность признавали всегда: и при жизни, и после смерти.

Его герои наделены чувственной, лиричной красотой. Именно его Мадонны по праву считаются самыми прекрасными женскими образами, когда-либо созданными. Внешняя красота отражает и душевную красоту героинь. Их кротость. Их жертвенность.

Рафаэль. Сикстинская Мадонна. 1513. Галерея старых мастеров, Дрезден, Германия.

Знаменитые слова “Красота спасёт мир” Фёдор Достоевский сказал именно о Сикстинской Мадонне. Это была его самая любимая картина.

Однако чувственные образы — это не единственная сильная сторона Рафаэля. Он очень тщательно продумывал композиции своих картин. Он был непревзойдённым архитектором в живописи. Причём всегда находил самое простое и гармоничное решение в организации пространства. Кажется, что по-другому и быть не может.

Рафаэль. Афинская школа. 1509—1511. Фреска в станцах Апостольского дворца, Ватикан.

Рафаэль прожил всего 37 лет. Он умер внезапно. От подхваченной простуды и врачебной ошибки. Но его наследие трудно переоценить. Многие художники боготворили этого мастера. И множили его чувственные образы в тысячах своих полотен.

О самых знаменитых картинах Рафаэля читайте в статье “Портреты Рафаэля. Друзья, возлюбленные, покровители”.

Процесс изготовления

Собранная в панно флорентийская мозаика – это сложный процесс со стороны создания предмета искусства и творческого его воплощения.

Выполнение каждого художественного произведения в современных условиях производится с поддержанием определенного алгоритма действий:

Подборка нужной фактуры

Исходного сырье может выглядеть как глыба или валун от скалы или в виде обломка, цельной плиты. Первоначально проводится отсортировка отделочного материала с учетом его свойств по пористости структуры, насыщенности и яркости оттенков.

Отбор камня по рисунку, цветовой гамме ответственная операция, влияющая на художественно-декоративную ценность изготовленного изделия.

Создание фрагментов картины

Определение мест дробления кусков материала, необходимого размера для будущего изделия, осуществляется с помощью лазера. Он, по заранее заготовленной компьютерной программе, наносит контуры рисунка на поверхности материала. При этом учитывается фактура и красота каждого куска.

Заготовка деталей

В зависимости от габаритов исходного материала используют специальную технику для изготовления заготовок. Из них вырезают пластины толщиной около 3 мм по созданному контуру. Каждый элемент шлифуют и подгоняют размером к соседнему, согласно намеченного эскиза. При выполнении процесса резки используется обильное водяное охлаждение.

Сбор полотна

При наборе в мастерских крупные изображения делятся на фрагменты и наносятся на специальную подложку. Идеально подогнанные между собой по размеру, цвету, текстуре каменные пластинки собирают в отдельные части художественного произведения. С оборотной стороны каждого элемента наносят клей. Все подготовленные куски переносятся на основное место и вместе с основой прилепляются к поверхности.

После полного высыхания полотно тщательно шлифуют. Финишное полирование картины из цветных камней осуществляют с помощью пасты или суспензии с мелкозернистыми частичками.

Ранний маньеризм [ править ]

Якопо Понтормо , Погребение , 1528 г .; Санта-Фелисита, Флоренция

Ранние маньеристы Флоренции, особенно ученики Андреа дель Сарто, такие как Якопо да Понтормо и Россо Фьорентино , отличались удлиненными формами, ненадежно сбалансированными позами, свернутой перспективой, иррациональным окружением и театральным освещением. Будучи лидером Первой школы Фонтенбло , Россо сыграл важную роль в распространении стиля Возрождения во Франции.

Пармиджанино (ученик Корреджо ) и Джулио Романо (главный помощник Рафаэля) двигались в сходно стилизованных эстетических направлениях в Риме. Эти художники созрели под влиянием Высокого Возрождения, и их стиль был охарактеризован как реакция на него или его преувеличенное расширение. Вместо непосредственного изучения природы молодые художники начали изучать эллинистическую скульптуру и картины мастеров прошлого. Поэтому этот стиль часто называют «антиклассическим» , но в то время он считался естественным продолжением Высокого Возрождения. Самая ранняя экспериментальная фаза маньеризма, известная своими «антиклассическими» формами, продолжалась. примерно до 1540 или 1550 года. Марсия Б. Холл, профессор истории искусств Университета Темпл, отмечает в своей книге « После Рафаэля», что преждевременная смерть Рафаэля положила начало маньеризму в Риме.

История Академии

Рождение галереи относится к 1784 году, когда великий князь Тосканы Пьетро Леопольдо реорганизовал Академию художеств, основанную в 1563 году Козимо Медичи в современной Академии изящных искусств. Новое учреждение заняло помещение больницы 14 века Сан-Маттео и монастыря Сан-Никколо-ди-Кафаджо. Музей был основан на коллекциях передаваемых церквями и монастырями, а так же заказанных Пьетро Леопольдо в 1786 году и Наполеоном Бонапартом в 1810 году.

Решающим событием в истории музея стал перевод Давида Микеланджело с площади Пьяцца делла Синьория в августе 1873 года. Самая известная скульптура в мире ждала 9 лет, хранилась в деревянной коробке, завершение строительства Трибуны, спроектированной архитектором Эмилио Де Фабрисом.

В нынешнем виде галерея Академии была основана в 1882 году.

Великое покаяние

Поэт умер на чужбине, в Равенне, где и находится настоящая его могила. Ему пришлось покинуть родной город: Данте был слишком неравнодушным гражданином и активно занимался политической борьбой. Представитель «белых гвельфов», он выступал за независимость Флоренции как от императора, так и от папы римского. Но в 1301 году власть во Флоренции захватили сторонники папы — «черные гвельфы», и Данте, занимавший до этого важный пост в городском совете, был приговорен к изгнанию. Его обвинили во взяточничестве, вымогательстве, получении незаконных доходов, а заодно и в педерастии. И поставили перед выбором: заплатить огромный штраф или уйти в пожизненное изгнание.

Данте ушел, но бездомным не остался. Правители многих городов были рады приютить знаменитого изгнанника. Он жил в Болонье, в Париже, в Вероне, а последние годы перед смертью провел в Равенне. Под страхом смертной казни Данте не мог вернуться во Флоренцию, к могиле его музы Беатриче, платоническая любовь к которой вдохновила поэта на великие произведения — «Новую жизнь» и «Божественную комедию».

— При жизни Данте даже «Комедию» отнюдь не все оценили по достоинству, — говорит Ольга. — Церковная элита осуждала поэта за то, что он написал произведение на «вульгарном» языке, то есть на народном флорентийском наречии. А в конце XIX века, когда Италия стала единой республикой, это наречие стало основой государственного языка. На нем и говорят современные итальянцы.

Сегодня флорентийцы почитают «высочайшего поэта». В 2008 году муниципалитет города даже официально извинился за то, что изгнал Данте 700 лет назад. В места, связанные с его именем, первым делом ведут туристов гиды: в дом-музей Данте на улице Святой Маргариты, в церквушку по соседству с ним, где, как считается, похоронена та самая Беатриче.

Разновидности и характеристики

Флорентийская мозаика может различаться по типу материалов, применяемых при её кладке. Среди материалов наиболее распространёнными являются:

мрамор;
лазурит;
малахит;
агат;
авантюрин;
яшма;
тигровый глаз;
оникс;
бирюза;
халцедон;
аметист и так далее.

Другим критерием, по которому могут различаться различные кладки флорентийской мозаики, является сюжет. Можно выбрать любое изображение, которое только хочется, но чаще всего создаются:

фигуры людей, птиц и животных;
пейзажи;
цветочные и прочие растительные узоры;
библейские и фантастические сюжеты.

В моду стала входить имитация узоров такой мозаики, выполненная на другом материале, например, дереве, пластике и так далее. Но даже если она визуально будет похожа, нельзя даже думать о такой же долговечности и стойкости, потому стоит отдавать предпочтение всё же оригиналу из природных камней.

Неудобная гениальность

В то же время Флоренция даже не думает возвращать останки еще одного своего гения — да Винчи, который умер и похоронен во Франции. Леонардо сам пожелал, чтобы его могила была в Амбуазе. Но в базилике Санта-Кроче ему тоже посвящена мемориальная плита: «Леонардо да Винчи в четырехсотую годовщину смерти».

— Да Винчи, который задолжал всей Флоренции? Какой же он гений? — категорично заявляет 58-летний Риккардо Скуиллони, хозяин магазина «Папирус» (Papiro) на улице Таволини. Риккардо, декоратор бумаги по старинному флорентийскому методу, продает разные вещицы из нее: игральные карты, конверты, тетради, ежедневники. — Гениев не существует. Были великие личности, как Данте, но не гении. Вот ваш Достоевский, например, талантливый писатель, но игрок и мот. Какой же он гений?

Пока мы разговариваем, в магазинчике собираются туристы. Синьор Риккардо устраивает рекламную акцию: эффектно декорирует лист бумаги у них на глазах. В большой поддон, наполненный чем-то наподобие клейстера, он хаотично капает разноцветные акриловые краски. Разравнивает субстанцию специальным ножом, водит палочкой, затем скользит по поверхности листом бумаги, поворачивает его к восхищенным зрителям, и — оппа! — лист уже весь покрыт красивым разноцветным рисунком.

— Гениально! — слышится шепот покупателей.

— Ремесло, которому каждый может научиться, — подмигивает мне Риккардо, — а гений — существо с совершенными качествами, богоподобное, неземное. Человек априори не может им быть. Леонардо тоже всего лишь человек, хоть и великий, согласен.

Да Винчи залезал в долги, так как брал плату за картины авансом — на что-то же нужно было жить, — а потом часто не заканчивал работу. Исследователь по натуре, неспешный и основательный, он бросал большинство своих начинаний, как только удовлетворял творческое любопытство. Заказчик оставался без денег и без шедевра. Так случилось и с картиной «Поклонение волхвов».

В галерее Уффици перед неоконченной работой всегда толпится народ. Я наблюдаю: кареглазая девушка в очках, сосредоточенно сдвинув брови, делает зарисовки с картины простым карандашом. На листе бумаги — лицо Девы Марии. Парень лет 20, с виду тоже студент, что-то черкает в своем блокноте. Зрители внимательно смотрят на полотно, что-то пытаясь додумать за художника. А сам Леонардо утратил интерес к картине, едва ему удалось создать пирамидальную композицию: Богородица — верхушка, а склонившиеся к ее стопам волхвы — ребра. Заказчики, монахи-августинцы, десять лет ждали, пока мастер закончит полотно.

Из-за ненадежности да Винчи власти города не делегировали его в Ватикан расписывать Сикстинскую капеллу вместе с Микеланджело, Рафаэлем и другими флорентийскими художниками. Но, несмотря на все неудобства жизни с должником, современники признавали несравненный талант Леонардо. Даже незаконченные работы гения бесценны для искусства.

С Микеланджело современникам тоже было нелегко. Он специально не заканчивал некоторые свои скульптуры, чтобы зритель мог «дорисовать» образ. Благодаря ему возник стиль non finito , то есть незаконченный. Заказчикам это не всегда нравилось, и они просили доделать. Микеланджело яростно возражал, что кончил — и баста. Его прощали — гений все-таки.

Флорентийская мозаика: история промысла

Камень – красивый и стойкий к повреждениям материал. Неудивительно, что он столь востребован в изобразительном и декоративно-прикладном искусстве! И древнейшим видом подобных работ является мозаика (от латинского слова «musivum» – «посвящённая музам») – техника создания картин из разных по тону и форме кусочков, прикреплённых к общей основе.

Уже на заре цивилизации, в IV тысячелетии до н. э., люди выкладывали узоры из каменных осколков – такие произведения встречаются в дворцах и храмах Месопотамии. Чрезвычайно реалистичные панно античной Греции и Рима состояли из миллионов фрагментов. Расцвет ремесла выпал на времена Византийской империи – мозаичные иконы из самоцветов и смальты (крашеного стекла), снабжённые подложкой из золотой фольги, и сейчас завораживают верующих в Константинополе, Венеции, Италии. В период Средневековья в моду вошли вещицы из бисера, а рококо ознаменовалось изделиями из раковин, перьев, панцирей жуков.

Однако вершина камнерезного искусства – флорентийские мозаики, они же «pietrа dure» (в переводе с итальянского – «твёрдый камень»). Это инкрустация фигурно обточенных самоцветов в основание из зелёного, белого или чёрного мрамора. Мастер так филигранно подгоняет детали, что между ними почти не остаётся швов, а для лучшего сцепления наносит на изнанку бороздки. Готовое произведение смахивает на головоломку-паззл, но каждая частица имеет свою собственную неповторимую конфигурацию, зависящую от места в рисунке. А естественный неоднородный тон минерала придаёт изображению особое очарование!

Первые подобные панно, ещё известные как «opera di commessi» («состыкованные») датируются XIV ст. Ими восхищался сам Микеланджело, именуя «вечными картинами». Неординарные сувениры из янтаря, агата, кварца, халцедона, яшмы, лазурита, порфира и гранита покорили влиятельных меценатов Медичи, и с тех пор новому промыслу был гарантирован успех – в этом стиле выдержана даже усыпальница семейства. Так, глава республики Лоренцо Великолепный (1449-1492) заказывал умельцам работы на мифологическую тематику. А в 1588 г. герцог Тосканы Фердинанд I основал мастерскую флорентийских мозаик «Galleria di’Lavori». Там делали камеи (портретные медальоны), посуду, панели для дверей и шкафов, столешницы, скамейки, фонтаны.

К началу XVII ст. чудесные произведения прославились во всём мире. В Индии эти узоры называют «parchin kari» (на хинди – «вбивать, соединять»). Ими декорирован величайший архитектурный памятник страны – Тадж-Махал. Похоже оформлены восточные мечети и особняки, вот только орнаменты там были растительными либо геометрическими – в исламе запрещено изображать живых существ. В России флорентийские мозаики появились при царице Елизавете Петровне (1709-1761) – по её приказу ими дополнили знаменитую Янтарную комнату. К сожалению, до наших дней дошли лишь немногие фрагменты оригинальной обстановки: комод, панно «Осязание и обоняние», янтарная шкатулка.

Фрагмент мозаики в Янтарной комнате. Царское село

В XIX ст. флорентийские мозаики стали характерной чертой жанра ар-нуво – его изогнутые линии, приглушённые цвета и лаконичные очертания идеально соответствовали специфике работы с драгоценными камнями. А в ХХ ст. монументальными картинами украшали станции метро, театры, правительственные здания.

Метод изготовления

Процесс изготовления флорентийской мозаики можно условно разбить на три этапа:

заготовительные операции — выбор качественного сырья, разметка камня и его нарезка;
набор элементов мозаики — существуют два способа: прямой и обратный;
финишная отделка — доводка и полирование изделия.

Выбирая камень, очень важно знать и учитывать его свойства, поскольку от этого зависит направление реза. Каждый минерал обладает индивидуальными оптическими характеристиками, по-особому переливается на свету и имеет свою структуру

Камень обязательно смачивают водой, тогда он становится ярким, как после полировки, и можно понять, как будет выглядеть готовое изделие.

Отобранные камни размечаются и режутся на специальном станке. Во время этого процесса обильно льют холодную воду для охлаждения пилы и тщательно следят за соблюдением техники безопасности. Элементы вырезаются с запасом на обработку стыков.

Флорентийские мастера вырезали нужные фрагменты из тонких, толщиной в 2-3 мм пластинок с помощью особой пилы — своеобразного лука из согнутой упругой вишневой ветки с натянутой проволокой. Некоторые умельцы продолжают использовать этот аутентичный инструмент и сегодня.

Доводка отдельных деталей по контуру производится на шлифовальном станке с помощью карборундового круга или алмазной планшайбы, вручную дорабатывается алмазными надфилями.

При сборке элементов в общую картину обратным методом фрагменты мозаики укладываются лицевой стороной вниз по трафаретам и закрепляются с изнанки клеящим составом на основу (например, из стекловолокна или кальки). Эта технология удобна для создания масштабного проекта: собранные таким образом крупные части из мелких элементов затем монтируются по месту. Этот способ также позволяет шлифовать лицевую поверхность мозаики в условиях мастерской.

Техника прямого набора представляет собой укладку фрагментов рисунка сразу на постоянную основу. Старые мастера по месту выкладывали на выровненном закрепляющем слое куски нарезанных каменных пластин. Сегодня прямой набор, как и обратный, чаще всего делается в мастерских на основу из стекловолокна, а затем переносится на объект.

Собранное изделие обрабатывается с помощью доводочных и полировальных паст. Для разных пород камня используются различные полирующие составы, в зависимости от физико-механических свойств минерала.

https://lubikamni.ru/obrabotka/florentijskaya-mozaika.html
https://skolkogramm.ru/info/florentijskaya-mozaika-38-foto-istoriya-proishozhdeniya-i-tehnika-izgotovleniya-izdelij-iz-kamnya-i-czvetnogo-stekla
https://TrendsDesign.ru/materialy/mozajka/florentijskaya-mozaika-interernye-kartiny-povyshennoj-slozhnosti.html
https://yaplitka.ru/istoriya-florentiyskoy-mozaiki-ot-sozdaniya-do-nashih-vremen.html
https://iridamozaika.ru/articles/florentiyskaya-mozaika-ot-istokov-do-nashih-dney

Используемые материалы

Немного позже мастера начали работать и с более доступными материалами. Главный критерий при выборе был не только красота каждого фрагмента, но и его прочность, ведь именно благодаря такой избирательности мозаики и не утрачивают своей красоты даже спустя несколько сотен лет.

Картина из камней долговечна еще и благодаря тому, что природные, насыщенные оттенки такого материала не выцветают под воздействием солнечного света. Оттенки остаются такими же насыщенными и яркими. Мастера подбирают тона так, чтобы между цветами был максимально плавный переход это дает возможность получить большое сходство с оригинальной картиной.

Классическим можно назвать пример картины, для которой используется:

темный мрамор для фона;
яшма;
аметист;
бирюза.

Насыщенные оттенки прекрасно контрастируют с фоном мозаики. В результате получается яркое, максимально реалистичное произведение искусства. Техника изготовления флорентийской мозаики предусматривает наличие на камнях небольших следов – это могут быть разводы, пятна, штрихи разного размера. Получить их можно, воздействуя на камень высокой температурой. Если прогреть мрамор, он приоритет нежный, розоватый тон. Если такую манипуляцию проделать с разновидностями халцедона – камни станут значительно ярче.

Мастерам часто приходится изображать на мозаиках животных, листву деревьев

Важно правильно выбрать соответствующие материалы. Листья могут имитировать каменные пластины, где просматриваются прожилки

Камни с просматривающимся рисунком ворсинок подходят для изображения животных.

Стекло

Стеклянная флорентийская мозаика, фото которой буквально зачаровывает своей реалистичностью, отчитается гладкой, целостной структурой. Сегодня такое направление не теряет актуальности. Подобными мозаиками декорируется мебель, предметы интерьера.

Есть две основные категории стеклянной мозаики:

Для украшения потолка, пола.
Для декора мебели, аксессуаров.

Активное развитие этой художественной формы приходится на 1500-е годы. Стекло мастера любили сочетать с полудрагоценными и драгоценными минералами. Такое изделие не теряет цвета, оно устойчиво к другим факторам окружающей среды.

Керамика

Керамические картины активно использовались раньше для отделки помещений и сегодня подобные изделия остаются востребованными. Можно выделить ряд преимуществ керамической мозаики, она:

твердая и прочная;
отлично сопротивляется износу;
устойчива к коррозии;
электрически изолирована;
устойчива к воздействию химикатов;
подходит для отделки любой поверхности;
имеет низкую теплопроводность.

Флорентийская керамическая мозаика широко используется для создания панно на стенах, полу. Мастера работают с глянцевыми и матовыми материалами. Для отделки стен многие выбирают зеркальные поверхности. Для пола больше подходят материалы без дополнительного блеска. Все швы между элементами тщательно затираются специальным раствором. Благодаря этому картина получается целостной, плотной.

История[ | код]

Тосканское искусство XIII века в итальянских городах Пизе и Лукке послужило основой для формирования флорентийской школы. Её основателем считают художника Джотто. Творческие находки художника не пропали даром, а получили развитие в творчестве флорентийских художников последующих веков, среди которых были Паоло Учелло, Мазаччо и сам Микеланджело Буонарроти. Представители школы реформировали как искусство Флоренции, так и самой Италии эпохи Возрождения, сделав уникальный вклад в архитектуру, инженерное дело, садово-парковое искусство, скульптуру и живопись.

Мозаичный потолок Баптистерия св. Иоанна во Флоренции, около 1225 г.

Древнейшей из дошедших до нас крупной работой школы является мозаичное убранство купола Баптистерия Святого Иоанна, выполненное около 1225 года. В работе принимали участие и венецианские художники, но, несмотря на это, тосканские художники создали в мозаике выразительные, живые сцены, показывающие эмоциональное состояние героев, что шло вразрез со сложившимися византийским традициями. Коппо ди Марковальдо, ответственный за изображение центральной фигуры Христа, был самым ранним из флорентийских художников, участвовавших в работе. Объём ощущается зрителями в панно «Мадонна с младенцем», написанном для церквей Серви в Сиене и Орвието.

Мадонна Санта-Тринита, около 1285, в церкви Санта-Тринита, в настоящее время работа находится в галерее Уффици.

Аналогичные работы были выполнены в конце XIII — начале XIV века для флорентийских церквей Санта-Мария-Новелла, Санта-Тринита и Оньисанти.

В картине Дуччо (1285) Мадонна с младенцем на троне и шесть Ангелов, или Мадонна Ручеллаи, написанной для церкви Санта-Мария-Новелла (в настоящее время находится в галерее Уффици), показано развитие художественной формы и пространства.

Фреска Джотто, Траур Святого Франциска в часовне Барди, Санта-Кроче

На фреске Джотто, написанной по заказу семьи Барди, люди размещены в замкнутом пространстве и находятся в драматической экспрессии. Подобный подход в живописи был использован современником Джотто Бернардо Дадди при росписи францисканского и доминиканского костёлов и повлиял на творчество многих флорентийских художников.

Реализм изображений, разработанный ранними флорентийскими художниками, сошёл на нет в XV веке, вероятно, как следствие перенесенной итальянцами чумы. Так, в алтаре, написанном по заказу семьи Строцци (около 1354—1357 г.) для церкви Санта-Мария-Новелла художником Андреа ди Чионе, ощущается замкнутость пространства.

Изобразительное искусство Флорентийской школы характеризуется увлечением проблемами перспективы, стремлением к пластически ясному построению человеческой фигуры (картины Андреа Верроккьо, Паоло Уччелло, А. дель Кастаньо и др.), а в работах художников Б. Гоццоли, Фра Анджелико, Филиппо Липпи, Боттичелли, Пьеро ди Козимо — особая одухотворённость и интимно-лирическая созерцательность.

В архитектуре представителями Флорентийской школы был создан новый тип ренессансного палаццо, шли поиски типа храмовой постройки, отвечающей гуманистическим идеалам эпохи. В дальнейшем Флорентийская школа стала одним из главных центров искусства маньеризма.

Портрет

Портретный жанр появлился во Флоренции позже монументального — во второй четверти XV века, а расцвет его пришёлся на последнюю треть столетия. Первые итальянские портреты были написаны на фресках. Реплики создавались для частных домов, как правило, с мемориальной целью. Наряду с мужским портретом во Флоренции появляются и женские. Портреты писались в профиль.

С середины XV века в развитии флорентийского портрета возникли новые тенденции. Пристрастие к композиции в профиль сменилось доминированием положения в три четверти. Эта композиция была излюбленной в голландских портретах.

В середине XV века нейтральный фон портретов заменяется фоном с ландшафтами, развертывается в пространстве. В последней трети XV века ведущая роль принадлежит портретам в три четверти, а вид часто расширяется до талии.

Мазаччо? Мужской портрет в профиль. Вашингтон, Национальная галерея
Паоло Уччелло? Женский портрет в профиль. Музей Изабелы Стюарт Гарднер, Бостон
Андреа дель Кастаньо. Мужской портрет в 3/4. Вашингтон
С. Боттичелли. Портрет молодого человека с медальоном.
Сандро Боттичелли. Женский портрет.

Литература[ | код]

Средневековый мир в терминах, именах и названиях: Словарь-справочник / Е. Д. Смирнова; Л. П. Сушкевич; В. А. Федосик. — Минск: Беларусь, 1999. — 383 с.; ISBN 985-01-0151-2.
Штегман К., Геймюллер Г. Архитектура Ренессанса в Тоскане / Пер. с нем. Т. Я. Муратовой. — В 3 вып. — М.: Изд-во Всесоюзной Академии Архитектуры, 1938, 1939, 1941.
«Энциклопедия живописи». Изд. на рус. яз. — под ред. Н. А. Борисовской и др., М. 1997.
Кузьмина М. Т. Мальцева Н. Л. «История зарубежного искусства», М. «Искусство», 1971.
«Florence Art life and organization», The Oxford Companion to Western Art. Ed. Hugh Brigstocke. Oxford University Press, 2001. ISBN 0-19-866203-3.

Ссылки [ править ]

^ a b c R.E. Вольф и Р. Миллен, Искусство Возрождения и маньеризма , (1968)
^ a b Орнелла Касацца, Мазаччо и часовня Бранкаччи , (1990)
^ Аннарита Паольери, Паоло Уччелло, Доменико Венециано, Андреа дель Кастаньо , (1991)
^ Питер Мюррей и Пьер Луиджи Векки, Пьеро делла Франческа, (1967)
^ a b Хью Росс Уильямсон, Лоренцо Великолепный , (1974)
^ Умберто Бальдини, Primavera , (1984)
^ a b c Джакометти, Массимо (1986). Сикстинская капелла .
^ Джорджио Вазари, Жизни художников , (1568), издание 1965 года, транс Джордж Булл, Пингвин, ISBN 0-14-044164-6
^ a b Т.Л. Тейлор, Видение Микеланджело , Сиднейский университет, (1982)
^ Габриэль Барц и Эберхард Кениг, Микеланджело , (1998)
^ Людвиг Гольдшидер, Микеланджело , (1962)
^ Дайана Дэвис, «Рафаэль», Иллюстрированный словарь искусства и художников Харрапа (1990)
↑ Некоторые источники идентифицируют эту фигуру как Иль Содому , но это пожилой седой мужчина, в то время как Содоме было около 30 лет. Более того, он сильно напоминает несколько автопортретов Перуджино, которому в то время было около 60 лет.
^ Дэвид Томпсон, Рафаэль, жизнь и наследие , (1983)
^ Жан-Пьер Кузен, Рафаэль, его жизнь и творчество, (1985)
^ Friedländer 1965, [ страница необходимости ] .
^ Фридберг, Сидней Дж. 1993. Живопись в Италии, 1500–1600 , стр. 175-177, 3-е издание, Нью-Хейвен и Лондон: издательство Йельского университета . ISBN 0-300-05586-2 (ткань) ISBN 0-300-05587-0 (PBK)