Сюзанн Бельперрон
Сюзанн Бельперрон можно назвать главным ювелиром всех времен и народов. Ее стиль легко считать. Собственно, она никогда и не подписывала свои работы, руководствуясь девизом: «Мой стиль — моя подпись». Бельперрон отличало использование необычных резных самоцветов (розового кварца, горного хрусталя и халцедона) в браслетах и кольцах. Она также старалась изобрести сложносочиненные закрепки для камней с разнообразными огранками. Каждая оправа подбиралась вручную, чтобы идеально вписать конкретный камень.
Это нагрудное колье в стиле модернизма, паве из овальных рубинов с бриллиантовыми вставками (ок. 1945 г.), — знаковое украшение Belperron. И хотя сперва может показаться, что рубины и бриллианты разбросаны здесь в случайном порядке, на самом деле дизайнер выбирала место для каждого камня с максимальной точностью. Так художник-импрессионист создает прекрасное целое из хаотичного набора мазков. В результате украшение передает ощущение переливающейся водной глади.
Бельперрон поклонялись и продолжают поклоняться многие дизайнеры, фэшн-редакторы и поклонники высокой моды. Дейзи Феллоуз, Эльза Скиапарелли, Диана Вриланд, Уоллис Симпсон и Карл Лагерфельд — вот лишь некоторые имена из списка коллекционеров ее работ.
Эдуард Мане
Художник известен как один из первых импрессионистов — он работал вместе с Клодом Моне и Полем Сезанном.
«В консерватории», 1879 год. Изображение: Эдуард Мане / Старая национальная галерея, Берлин / Wikimedia Commons
Визитной карточкой Мане стала именно живопись, хотя он пробовал себя и в графике — даже успел поработать иллюстратором. Его руке принадлежит литография к стихотворению «Ворон» Эдгара По: рекламный постер, обложка и иллюстрации, сопровождающие текст.
Постер к стихотворению «Ворон», 1875 год. Изображение: Эдуард Мане / Нью‑Йоркская публичная библиотека, Нью-Йорк / Wikimedia Commons
Иллюстрация к стихотворению «Ворон», 1875 год. Изображение: Эдуард Мане / Библиотека Конгресса, Вашингтон / Wikimedia Commons
Иллюстрация к стихотворению «Ворон», 1875 год. Изображение: Эдуард Мане / Британский музей, Лондон
Ваня Make и Юля JK.
Ваня Make.
Рисую столько, сколько себя помню. Я самоучка. В детстве перерисовывал иллюстрации с комиксов и журналов. Смотрел на граффити моего района (СЖМ) и в городе. Было очень интересно узнать, кто и как это рисует. В 2006–2007 годах стал частью культуры граффити. Рисую по сей день, за все время попробовал кучу стилей, не мог понять, что мне ближе. В 2014 году Юля на учебе проходила историю шрифтов и принесла ручки Pilot Parallel Pen, я попробовал с помощью них написать свой тэг (подпись граффити-художника. – «Главный»), и с этого момента начался мой путь в каллиграфию. Я писал на всем, что попадалось под руку: листки бумаги, газеты, старые колонки, дверцы от шкафа, стекла, которые кто-то выкинул. Чуть позже попробовал инструмент Brush pen и после этого начал формироваться мой «стиль». Я стал использовать эти навыки и применять их в своих граффити.
Юля Jk.
В начальных классах мама разглядела во мне творческие способности и отдала в художественную школу, в которой я проучилась три года. В районной школе всегда активно участвовала во всех художественных мероприятиях и занималась с преподавателем ИЗО. В 10–11 классах перевелась в 35-ю гимназию с художественным уклоном, окончила ее в 2013 году и поступила в Академию архитектуры и искусств ЮФУ на дизайн. В 2017 г. получила красный диплом и отправилась в свободное творческое плавание. В общем, другого пути для себя я не видела и не желала. Граффити заинтересовалась в старших классах, так мы и познакомились с Ваней. С ним я буквально научилась держать банку в руке, а он со мной – кисть. Мы коренные ростовчане, вместе уже почти восемь лет. Занимаемся всем, что так или иначе связано с творчеством, приносит нам удовольствие и возможность жить. Дали начало совместным экспериментам в 2018 году и назвали свой союз Couple of creators. Основой нашего дела является взаимодействие иллюстрации, каллиграффити и граффити. В поисках новых образов мы совместили то, чем занимаемся много лет, умеем лучше всего и любим всем сердцем – рисунок и шрифт. Не пропускаем граффити-мероприятия нашего города.
Алехандро Магальянес (Alejandro Magallanes)
Национальность: мексиканецГоды работы: 1990-е — настоящее времяОбразование: Национальная школа пластических искусствСтудия: Alejandro Magallanes Blog
Постеры графического дизайнера Алехандро Магальянеса завоевали мировую известность. В них он густо наслаивает карикатуры, нарисованные от руки, поэтические цитаты и цифровой дизайн — и получается ярко, броско и смело
Сам Магальянес из Мехико, и практически в каждой его работе есть отсылки к латиноамериканским корням и теме важной для художника социальной справедливости
В 2013 году Алехандро участвовал в коллективной анти-националистической выставке «Плакаты с границами» (Posters without Borders), которая через графический нарратив привлекала внимание общества к расовым и культурным сторонам иммиграционного вопроса. Тема активизма — одна из главных для любого проекта, в котором участвует Алехандро Магальянес
Jean Dunand/Жан Дюнан
Жан Дюнан — один из главных дизайнеров эпохи ар-деко, известный прежде всего своей лакированной мебелью, предметами декора и ювелирными украшениями. Ему поручали декорировать лаковыми панелями роскошные салоны грандиозных океанских лайнеров (таких как «Нормандия»).
Не ограничиваясь декоративно-прикладным искусством, Дюнан писал портреты, на которых зачастую можно обнаружить изображения его ювелирных работ. Два года назад на аукцион был выставлен изящный портрет его наставницы мадам Анье, на котором она изображена в колье с жирафовым мотивом.
«Жираф» — знаковая работа Дюнана, отсылающая к конкретному периоду 1920-х, когда мастера начали отходить от классического использования драгоценных материалов в сторону более современного дизайна. Схожая модель была и у Жозефины Бейкер — музы Дюнана. На знаменитом портрете для Vanity Fair она позировала в «жирафовом» комплекте (и это практически все, что на ней было).
Этот комплект — 6 предметов из ореума с красной и черной лакировкой — самый большой из тех, что есть на рынке. В Парижском Музее декоративного искусства, а также Метрополитен-музее хранятся комплекты поменьше.
Неотстающая Россия
Часто, сопоставляя какие-либо явления, мы поневоле оставляем достижения России на втором плане. Просто потому, что они не такие впечатляющие. Еще лет 10–20 назад это касалось бы и граффити, но сейчас всё изменилось. Стрит-арт в необъятной интенсивно развивается, и этому есть множество доказательств.
Взять хотя бы многочисленные и массовые фестивали уличного искусства: «Морфология улиц», «Место», Artemoff, «Карт-Бланш», kaliningrART, Meeting of Styles, Union of Free Art и еще по меньшей мере с десяток других. При этом они не носят пустячкового характера, чисто для галочки — на фестивале Urban Morphogenesis было использовано больше 250 тысяч баллончиков и суммарно раскрашено более 50 объектов, в том числе высотные здания. Спустя месяц кропотливой работы город в буквальном смысле заиграл новыми красками, что оценили даже местные жители:
Вернулась из отпуска пару дней назад — и обалдела! Очень прикольно, красиво! Нашу Трехгорку преобразили — микрорайон ожил.
Всеобщий интерес к граффити не мог остаться незамеченным для крупных компаний и брендов. Так, например, известный российский граффитчик Покрас Лампас за последние годы успел поработать с итальянским домом моды Fendi, создать уникальные принты для Adidas и принять участие в коллаборациях с Lamborghini, Альфа-Банком и IKEA
Другой пример — команда SprayPassion, которая помогает компаниями и брендам найти общий язык с аудиторией, привлекать ее внимание и показать собственную индивидуальность. Их клиентами были Doritos, хоккейный и футбольный клуб «Спартак», служба такси Gett и многие другие
Закончим, пожалуй, на московской команде A.D.E.D, выпустившей коллаб с итальянским стритвир-брендом люксовой одежды Off-White и оформившей корнер Louis Vuitton в Москве
Важно отметить и то, что многие райтеры не сотрудничают с кем попало. Для многих из них важно, чтобы философия и политика компании не противоречили их собственным
Вот что по этому поводу говорит один из участников A.D.E.D Cozek:
Нам приходилось отказывать 90 % потенциальных клиентов, поскольку работаем мы исключительно с теми, кто готов создавать продукт в нашей стилистике. Мы ни под кого не подстраиваемся и этим сильно отличаемся от других.
Так же, как и за границей, в России стали массово появляться галереи, ярмарки и частные коллекции с произведениями уличной культуры. Среди них музей «Гараж», RuArts, «Триумф», Cosmoscow, Street Art Museum, музей уличного искусства в Санкт-Петербурге, Центр современного искусства «Винзавод» и множество других.
Стефан Загмайстер (Stefan Sagmeister)
Национальность: австриецГоды работы: 1990-е — настоящее времяОбразование: Венский университет прикладных искусствСтудия: Sagmeister & Walsh
Дизайн-вундеркинд Стефан Загмайстер начал карьеру еще в 15 лет. Какое-то время он оставался в Европе, а потом переехал в Азию и затем уже осел в Нью-Йорке, где быстро создал себе имя одного из самых модных графических дизайнеров в музыкальном мире.С Загмайстером работали такие крупные клиенты, как The Rolling Stones, HBO, Time Warner, The Guggenheim Museum и Capitol Records. В каждом проекте Стефан оставался верным своему провокационному подходу, который предполагает, что буквально все (включая его собственное тело) может стать полотном для дизайна. В своих работах он соединяет эмоции, юмор и сексуальность — и чаще всего с ярким шок-эффектом.
Роб Яноф (Rob Janoff)
Национальность: американецГоды работы: 1970-е — настоящее времяОбразование: Университет штата Калифорния в Сан-ХосеСтудия: Rob Janoff Studio
Роб Яноф — создатель, пожалуй, самого известного логотипа в мире. Именно он придумал то самое яблоко для Apple. В 1977 году Стив Джобс пригласил его разработать лого для своего нового технологического бренда, который как раз выходил на рынок. Надкушенное яблоко, которое предложил Янофа в качестве символа Apple, изначально было в разноцветную горизонтальную полоску, но потом немного изменилось — и стало символом не только Apple, но и всех новых пользовательских технологий в принципе.Детали этого логотипа с годами стали другими, но первоначальная форма, предложенная Янофом, уже несколько десятилетий не меняется. Его логотип — идеален в своей простоте, и это стремление к умному минимализму станет одной из главных характеристик и других работ Яноф.
Paul Flato/Пол Флато
Пол Флато был главным ювелиром звезд: его работы украшали элиту Голливуда. Свою компанию он основал в Нью-Йорке в 1928 году, а в 1937 открыл магазин в Лос-Анджелесе. Его образный стиль, часто с изрядной долей иронии, особенно расцвел в 1930 годы, когда дизайном украшений занимались такие мастера, как Адольф Клити, Джордж Хедли и герцог Фулько ди Вердура.
Среди эффектных украшений Флато — бриллиантовые перья, руки, держащие букет, и брошь в виде сундука, набитого драгоценностями.
Завсегдатаями его ателье были Джоан Кроуфорд, Марлен Дитрих, Вивьен Ли и главные голливудские герои — Дуглас Фэрбенкс, Лоренс Оливье и Орсон Уэллс. В его украшениях Кэтрин Хэпберн появлялась в фильме «Праздник», Грета Гарбо в «Двуликой женщине», а Рита Хейворт — в картине «Кровь и песок».
В этом колье, созданном для жены композитора Коула Портера (ок. 1935 г.), Вердура превратил практичный элемент одежды, ремень, в сногсшибательное ювелирное произведение с аквамаринами и рубинами. Поистине незаурядный ход в эпоху, когда большинство ювелиров выпускали цветочные или геометрические украшения! Ожерелье так хитро сконструировано, что выглядит как завязанный в узел ремень, который можно носить как прямо, так и сдвинутым набок, как в съемке Vogue 1944 года.
Cartier
Мало кто из ювелирных домов создал больше выдающихся произведений, чем Cartier. Зачастую их украшения отражают целую эпоху или стиль. Нет такого материала или камня, который бы не покорился мастерам марки. В столетней история династии Картье нашлось место и доступным столовым приборам из серебра, и шедеврам, сделанным на заказ для махараджей и королевских домов Европы. Дом нанимал лучших мастеров, давая им доступ к обширной библиотеке книг по искусству и персидской миниатюре для вдохновения.
Подобный браслет в стиле ар-деко с бриллиантами, жемчугом, изумрудами и ониксом (ок. 1925 г.) мог бы купить самый взыскательный клиент. И дизайн, и исполнение превосходны! Черный лак делает предмет современным, а узор с трилистником отсылает к экзотическому орнаментальному стилю. Зеленые изумруды выделяются на строгом черно-белом фоне, а переливающиеся жемчужины становятся их обрамлением. Такое украшение могли сделать только в Cartier, и когда держишь браслет в руке, понимаешь, что в нем нет ни единой лишней детали — все продумано идеально.
Пацаны
Близкие поддерживают и гордятся — им важно мое творческое удовлетворение. Я общаюсь с теми, кто понимает всю эту канитель
Недавно показывал знакомым полицейским свои работы, и у них глаза загорались — сразу в пацанов превращались.
С семи лет поставил сына к стенке с краской. Он с друзьями сколотил банду — а я их покрывал. На мелких же постоянно нападают — хулиганы краску отбирают. Я ребят возил на машине и стоял на стреме. Одну рацию клал сыну в карман, другую к себе и шел в сторонку следить. Бывшая жена возражала, говорила, что доведу ребенка до цугундера ночными вылазками. А я приучал сына с ранних лет к творчеству. Я же не внушал ему «мусора — отстой, ганжик — норм». Наоборот, я за ту часть культуры, которая про «холсты на стене». Граффити дало результат, сын стал архитектором-строителем. И еще из этой банды вышла пара художников с нормальными именами.
KAWS и Bounty Hunter
В 1999-м году началось сотрудничество KAWS с японским брендом одежды Bounty Hunter.
Bounty Hunter – прекрасный пример того, как японские бренды подходят к американской культуре, фильтруют и перерабатывают ее со своей уникальной точки зрения, выдавая в итоге действительно оригинальный продукт. В 1995-м компания Bounty Hunter началась как компания Harajuku по производству игрушек. Только достигнув успеха, основатель Хикару Иванага расширил ассортимент толстовками, футболками и другими вещами.
Концепт при этом остался неизменным: что же происходит, когда дети подаются в панк? Здесь – синтез нескольких популярных американских культур: панк, рокабилли, байкерское движение. Стильная и модная одежда Bounty Hunter мгновенно обросла поклонниками.
Именно для Bounty Hunter KAWS придумал и выпустил свою первую виниловую фигурку. Вышедшая ограниченным тиражом, она стала хитом сообщества любителей оригинальных арт-игрушек.
Alexander Calder/Александр Колдер
Александр Колдер больше известен своими «мобилями» и скульптурами, которые приходят в движение от порыва ветра или прикосновения, но ювелирное дело было его самым личным и долговечным увлечением. В украшениях Колдера — те же изящество и стиль, а также характерная ковка по металлу, что и в более масштабных конструкциях. Его ювелирные образцы — нетривиальные, но утонченные — были в коллекциях таких модных любителей искусства, как Пегги Гуггенхайм, Мэри Рокфеллер и Миллисент Роджерс.
Эта брошь «Шесть кругов» из латуни и стали (ок. 1940 г.) передает то же движение, что и его мобили, а динамика геометрического рисунка напоминает о литографиях, в которых он часто изображал множество переплетающихся окружностей.
Элизабет Арго, куратор нашумевшей выставки «Ювелирные украшения Колдера» так описывала его творения: «Пространство. Это все про освоение пространства. И Колдер воспринимает тело как „заземляющий элемент“. Это не означает, что тело портит всю задумку — нет, просто оно становится частью произведения искусства, как только вы его надеваете».
Материал впервые опубликован 22 ноября 2018 года.
Хочешь следить за событиями в мире роскоши? Подписывайся на «Robb Report Россия» в Instagram (Социальная сеть признана экстремистской и запрещена на территории Российской Федерации), Facebook (Социальная сеть признана экстремистской и запрещена на территории Российской Федерации).
Алекс Трочут (Alex Trochut)
Национальность: испанецГоды работы: 2000-е — настоящее времяОбразование: Школа Дизайна и технологий в БарселонеСтудия: Alex Trochut Design
Алекс Трочут — большой экспериментатор в типографики и иллюстрации. Свое ремесло он рассматривает в потоке, сравнивая его с человеческой натурой, которая с течением времени изменяется. Именно поэтому работы Трочута — это как будто застывший момент, который превратился в огромные трехмерные буквы на полотне. Шрифтами художник передает эмоции, и такой подход уже принес ему мировое признание.Трочут работал с клиентами со всего мира, от Converse и Nike до Patagonia, Adobe, ESPN и премии «Оскар». Он даже сделал ретро-дизайн обложки для сингла «Roar» Кэти Перри (Katy Perry), который вышел в 2013 году.
Произведения [ править ]
Спутник Кауса (Проходящий) в Музее современного искусства Форт-Уэрта .
Акриловые картины и скульптуры Кауса имеют множество повторяющихся изображений, все они предназначены для всеобщего понимания, превосходя языки и культуры. [ необходима цитата ] Некоторые из его персонажей восходят к началу его карьеры в 1990-х годах: « Компаньон» (создан в 1999 г.), Сообщник , приятель и Бенди . Его сериал «Кимпсоны» разрушил американский мультфильм «Симпсоны» .
Компаньон Кауса — это клоуноподобная фигура в оттенках серого, основанная на Микки Маусе, с лицом, закрытым обеими руками, и двумя костями, торчащими из его головы. В 1999 году японская игрушечная компания Bounty Hunter произвела и продала виниловую игрушку Companion (Микки Маус с выпуклыми глазами). Фигура была адаптирована в воздушный шар для парада Macy’s в День благодарения в 2012 году , как часть его «Галереи голубого неба» воздушных шаров. Уже создавая негабаритные скульптуры в прошлом, Каус начал производить дополнительные скульптуры своего персонажа- компаньона для выставок в Швейцарии , Гонконге, Малага , Лондон , и Китай .
Kaws периодически показаны как картины и продукты на Colette в Париже с 1999 года [ править ] Его работа была включена в передвижной выставке Красивой проигравших , которая началась в Цинциннати Центре современного искусства и путешествовала по всей Европе и США, в том числе его тогдашним крупнейшая музейная выставка на сегодняшний день в High Museum of Art в Атланте, штат Джорджия, в 2012 году.
1 апреля 2019 года на Sotheby’s в Гонконге картина Kaws Album (2005), картина Кауса по заказу Ниго, была продана за 115,9 млн гонконгских долларов, или около 14,7 млн долларов США, что стало новым рекордом для художника на аукционе. время.
Валентино Гаравани
Основатель модного дома Valentino, известный итальянский модельер с детства любил рисовать, в юности любил искусство и интересовался модой. Был в подмастерьях, учился в Школе изящных искусств в Париже, и в Школе при Палате высокой моды. Работал в нескольких модных домах, затем открыл собственное ателье. Его работы отличались утонченностью, прекрасным кроем, дорогими тканями, ручным декором, изысканностью. В 1960 году появился бренд Valentino.
Благодаря встрече с архитектором Джаметти, будущим генеральным директором модного дома, Валентино получает возможность заниматься только творчеством, не вникая в тонкости бизнеса. Сам он говорил: «Я только и умею, что рисовать платья, принимать гостей и декорировать дом, а в бизнесе ничего не понимаю». В одной из коллекций 60-х присутствовали наряды красного цвета, ставшего впоследствии визитной карточкой модного дома Валентино. Модельер говорит: «Красный – самый лучший цвет. Он подходит любой женщине, просто нужно помнить, что существует более 30 разных оттенков этого цвета».
У дизайнера на протяжении многих лет одевались звездные знаменитости, многие из них предпочитали приобретать изысканные свадебные наряды именно у него. Среди его клиентов были такие легендарные личности, как Жаклин Кеннеди, Одри Хепберн, Софи Лорен, Элизабет Тейлор. На вручении премии «Оскар» многие актрисы блистали в нарядах от Валентино. В 2007 году знаменитый модельер заявил о своем уходе из мира моды, а в 2008 году на Неделе высокой моды в Париже состоялся прощальный показ, на котором все модели вышли на подиум в платьях красного цвета, а зрители аплодировали стоя.
Энди Уорхол
Уорхол — графический дизайнер по образованию. Он родился и вырос, как раз когда эта профессия вполне официально появилась, а индустрия печатной рекламы расцвела.
Поп-арт Уорхола — это переосмысление эпохи потребления. В некоторых работах он перерисовывал от руки образы, тиражируемые в массовой культуре. Например, это холсты с супом Campbell.
, 1962 год. Изображение: Энди Уорхол / Wikimedia Commons
Начинал карьеру Уорхол не как деятель современного искусства, а как коммерческий иллюстратор — он создавал рекламную графику и обложки для журналов. Особенно известны его изображения туфель: он долго сотрудничал с обувным брендом I.Miller, а потом делал рекламу для Dior.
Реклама туфель I.Miller на развороте Harper’s Bazaar, 1960 год. Изображение: Энди Уорхол / Harper’s Bazaar / The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc. / Artists Rights Society (ARS), New York
Реклама туфель I.Miller, 1958 год. Изображение: Энди Уорхол / Oxford Art Journal
Иллюстрация для Vogue, 1957 год. Изображение: Энди Уорхол / Vogue / The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc. / Artists Rights Society (ARS), New York
Обложка журнала The Week, 1959 год. Изображение: Энди Уорхол / The Week / The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc. / Artists Rights Society (ARS), New York
Став известным деятелем поп-арта, Уорхол работал в разных техниках: рисовал, фотографировал, делал инсталляции, снимал кино, а также продолжал принимать заказы на рекламу и дизайн для журналов.
Отдельное направление работы Уорхола — дизайн обложек музыкальных пластинок. Например, он создал известную обложку с бананом для дебютного альбома The Velvet Underground. Оригинальная обложка была интерактивной. Она выходила с наклейкой в виде жёлтого банана в кожуре, которую можно было снять — и увидеть розовый очищенный банан.
Также ему принадлежит одна из самых необычных музыкальных обложек — для The Rolling Stones. На ней изображены брюки с настоящей молнией, расстегнув которую, можно увидеть эмблему группы. За эту работу Уорхол был номинирован на «Грэмми».
Ночь
С кем начинал красить — все побросали: семья, дети, работа или интерес пропал. Никого не осталось. Сверстники спрашивают, зачем занимаешься этой шнягой, а мне нравится. Люблю жить на улице, люблю ширину, простор, географию. Наверное, я тот мудрец, который в старости сохранит сердце ребенка. В голове есть каталог классных спотов. На улицу выхожу пару раз в месяц. Жду мерзкой погоды или дождя и выхожу. Настроение приходит неожиданно. О, сегодня сделаю! Откуда это берется? Не знаю.
Работаю один, максимум вдвоем. Во-первых, ночью самые козырные споты — маленькие. Во-вторых, не люблю балаган. На массовый экшн всегда кто-нибудь ганжик принесет, базарить начнет, шуметь, потом мусора приедут, разгонят всех. Тусня, а не работа. Ночь хороша уединенностью.
Настоящее имя скрываю — знаю же, как к этому люди относятся. Вот приятель — главный инженер крупной управляющей компании — часто говорит, мол, опять эти граффитчики все испортили, на краску приходится разоряться, а полиция не ловит никого. На славу мне наплевать. Главное, чтобы нормальные художники ко мне хорошо относились.
Локеш Карекар (Lokesh Karekar)
Национальность: индиецГоды работы: 2000-е — настоящее времяОбразование: Институт прикладного искусства сэра Дж. Дж.Студия: Locopopo
Локеш Карекар специализируется на иллюстрации и типографике, а графический дизайн воспринимает как среду для визуального нарратива. Он вдохновляется почти что наэлектризованными, насыщенными оттенками индийских базаров своего родного Мумбаи, но все его работы — максимально современные, отточенные и с юмором.Карекару нравятся неожиданные формы и техники — например, он любит лепить из глины, вырезать из бумаги и делать анимированные скетчи. В его портфолио уже есть работы для Rolling Stone и Conde Nast, а в 2014 году журнал Forbes включил Карекара в список «30 до 30».
Подытожим
Каждый из этих 20 дизайнеров доказывает, что дизайн как индустрия не статичен — он трансформируется и расширяется под влиянием новых идей, инноваций и технологий. И, конечно, просто невозможно включить в наш список всех тех, кем стоит вдохновляться и у кого учиться. Но совершенно точно каждый из упомянутых дизайнеров — пример невероятного бесстрашия и желания изменить свою сферу, оставив в ней свой яркий след.Если вы тоже хотите сделать успешную карьеру в графическом дизайне, учитесь у знаменитых дизайнеров, которые уже добились многого на этом пути. Будьте дерзкими, смелыми, уникальными и не бойтесь говорить о том, что чувствуете. Используйте все оттенки, фигуры, текстуры, узоры, шрифты и материалы. Экспериментируйте с различными цифровыми подходами и инструментами, чтобы создать свежие и современные изображения. Доверяйте себе как художнику, что бы вы ни создавали — хоть мрачные и радикальные дизайны, как Дэвид Карсон, хоть пестрые и эксцентричные, как Мораг Майерскоу.Подумайте, можете ли вы отнести свой стиль к подходу любого из дизайнеров в этом списке? Кто больше всего повлиял на вас, мотивировал или даже бросил вызов? Какой графический дизайн вам ближе? Делитесь комментариями внизу — и давайте поговорим о том, без каких других известных личностей современный дизайн просто невозможно представить.
Jean Després/Жан Депре
Жан Депре родился в семье ювелиров, а в годы Второй мировой участвовал в проектировании самолетов, что сказалось на его творчестве. Депре вошел в историю ювелирного дизайна благодаря украшениям, инспирированным механизмами, которые получили название bijoux-moteurs (украшения-механизмы).
Этот серебристо-черный лакированный браслет (ок. 1931 г.) — образцовый пример дизайна эпохи модернизма, объединяющий эффектную простоту и индустриальный узор. Отделка напоминает зубцы шестеренки, а сам браслет сужается, чтобы повторить форму запястья. Эта изящная деталь дизайна подсказывает, что массивный браслет создавался с мыслью о том, как он будет носиться и выглядеть на руке.
Gérard Sandoz/Жерар Сандоз
Жерар Сандоз создавал свои фантастические ювелирные украшения в период расцвета ар-деко — с 1920 по 1931 годы. Его знали как кутилу и завсегдатая вечеринок в Maxim’s, а со временем он и вовсе променял семейный ювелирный бизнес на скромную кинокарьеру.
Созданные им украшения — сложная геометрия, воплощенная в различных материалах, цветах и текстурах. Ничего подобного больше никто не делал. Сам Сандоз говорил так: «Можно сотворить прекрасное ювелирное украшение из одного золота, а можно — ужас из моря бриллиантов».
Дизайн этой геометричной броши (ок. 1927 г.) вдохновлен механизмами, которые так любил Сандоз. В центре — платиновый стержень, пронизывающий преломленный золотой прямоугольник с шестеренками из золота и оникса. Фон для центрального композиции — треугольник c элементами из матового горного хрусталя и бриллиантовым паве. В данном случае Сандоз вывернул наизнанку все правила: он использовал бриллианты в качестве фона, а в центр композиции поставил полированное золото, создав действительно выдающийся образец дизайна.
Игрушки Кавс
Помимо Bounty Hunter KAWS успел также поработать с такими японскими компаниями, как Santastic, A Bathing Ape, Medicom. В 2006-м в токийском районе Аояма открылся OriginalFake, совместный с Medicom магазин игрушек и одежды. Спустя практически семь лет феноменального успеха на сцене уличной моды, в конце мая 2013-го года KAWS и Medicom закрыли совместный бренд.
![Kawsсодержание а также ранняя жизнь и образование [ править ]](https://thelawofattraction.ru/wp-content/uploads/a/5/e/a5ebaa2e061f225394efaa1ba318f739.jpeg)
Среди других творческих и коммерческих проектов Брайана – объединение с Nigo для A Bathing Ape, с Jun «Jonio» Takahashi для Undercover, с Michael «Mic» Neumann для Kung Faux.
KAWS создал дизайн лимитированных бутылок для Dos Equis и Hennesy, работал над совместными проектами с Burton, Nike, Vans, Supreme и DC Shoes, разрабатывал дизайны для Gallery 1950 и Kiehl’s Cosmetics.
В 2013-м компания Брайана занялась редизайном символики MTV Video Music Awards, разработала некоторые обложки The New Yorker, Clark Magazine и I-D, а также обложки альбомов таких исполнителей, как Towa Tei, Cherie, Clipse и Kanye West.
В 2014-м KAWS со своим давним другом Фарреллом Уильямсом работал над бутылкой и дизайном парфюма «Girl», созданного Уильямсом вместе с Commes des Garcons, чтобы отпраздновать его одноименный сольный альбом.
В 2016-м Брайан также поработал с магазином одежды Uniqlo, и выпустил свою линию футболок и аксессуаров, практически мгновенно распроданных по низким ценам. За счет высокого спроса коллекция возобновлялась несколько раз.
Книги и каталоги ранних работ KAWS – редкая находка и радость коллекционеров. В 2009-м году опубликована щедрая ретроспектива его проектов, созданная куратором Музея современного искусства Олдрича, Моникой Рамирес-Монтагут.
Невилл Броуди (Neville Brody)
Национальность: британецГоды работы: 1970-е — настоящее времяОбразование: Школы коммуникаций Королевского колледжа искусствСтудия: Brody Associates
На стиль Невилла Броуди оказала огромное влияние панк-тусовка — в своих работах он ярко показывает контркультурные настроения и использует тяжелую типографику. В свою очередь, панк-подход самого Броуди отразится в дизайне музыкальных обложек, журналов и печатной рекламы 1980-х. Невилл отдает предпочтение ярким цветам, геометрическим фигурам и грубоватым шрифтам, которые формируют объемные, тактильные образы.Еще Невилл Броуди основал FontFont, одну из самых известных шрифтовых библиотек в мире, и за свою яркую карьеру успел поработать с ключевыми медийными компаниями — от The Face, The Guardian, The Observer и The Times до BBC News.
Библиография [ править ]
- Kaws Exposed. Сиэтл: ARO Space, 1999. ISBN . Тираж 2000 экз. 31 страница фотографий его граффити.
- Kaws One. Tokyo: Little More, 2001. Под редакцией Кавачи, Така и Акио Эда. ISBN 978-4898150450 .
- Kaws C10: Картины Кауса. Сиэтл: Neverstop, 2002. ISBN . С представителем Карло Маккормиком . Тираж 3000 экз.
- Каус: 1993-2010. Скира Риццоли) , 2009. Автор Моника Рамирес-Монтэгут. ISBN 978-0847834341 . Ретроспектива, с иллюстрациями и текстом. Отредактировано Яном Луной и Лорен А. Гулд при участии Джермано Целанта.
- Каус: Время простоя. Атланта, Джорджия: Художественный музей Хай , 2012. Под редакцией Майкла Рукса и Сета Цукера. ISBN . С предисловием Майкла Э. Шапиро, эссе Рукса и списком выставок Кауса. 112 страниц. Каталог к выставке « Время простоя в Художественном музее Хай».
- Kaws: Каталог выставки «Последние дни». 82 страницы, посвященные выставке в Центре современного искусства Малаги в 2014 году.
- Каталог выставки Kaws. Уэйкфилд, Англия: Парк скульптур Йоркшира , 2016. Фотографии Джонти Уайлда. ISBN 978-1-908432-21-6 . Каталог к выставке в Йоркширском парке скульптур. С текстами Флавии Фригери, Хелен Феби и Клэр Лилли.
- KAWS: Где начинается конец. 2017. С текстом: Андреа Карнес, Дитер Бухарт и Майкл Аупинг. ISBN .
Менты
Менты меня ловили. Но ни разу не наказали. По большому счету, и наказывать не за что: работа в городе — это слабая административка. Серьезные истории происходят на поездах. Вот попадись на трамвае, впаяют простой, краску, работу маляров — получится тыщ триста. Поэтому избегаю упоминания своего имени. Можно собрать всю информацию воедино, и мне тогда не отвертеться. Один раз опер на меня накинулся: шел со смены, увидел, как крашу, и бросился. Стоим, держим друг друга за шкирку на вытянутых руках. Мент дубинкой замахнулся, но увидел дядьку и бить не стал. Оторопел, скорее, и давай укорять: «Мы тут работаем, а ты взрослый же человек. Не стыдно?». Жаловаться начал на тяжелый график, маленькую зарплату. Я дурака включил, подыграл: мол, стыдно. Все равно можно было уже уходить — рисунок готов.
Адреналин чувствую до сих пор. Будоражит близость опасности. Но уже спокойнее, не как в самом начале. Это хорошо, потому что теперь меньше парюсь, а больше наслаждаюсь картинкой — руки не дрожат.
Ранняя жизнь и образование [ править ]
Доннелли родился в 1974 году в Джерси-Сити, штат Нью-Джерси где он учился в Средней школе Святого Антония . В подростковом возрасте Доннелли создал себе ярлык, KAWS (на основе того, как выглядели буквы — слово, по сути, не имеет значения), который он нарисовал на крыше жилого дома, чтобы он мог видеть его снаружи, пока посещает занятия в средней школе. Он продолжал учиться в Школе визуальных искусств в Нью-Йорке , получив степень бакалавра изящных искусств в области иллюстрации в 1996 году. После окончания он некоторое время работал в Jumbo Pictures в качестве внештатного аниматора, рисующего фоны для анимационных фильмов. ряд101 далматинец , Дарья и Дуг .
Переезд в Нью-Йорк в 1990-х годах незаконные граффити были первым шагом Кауса в изучении своего ремесла. Аниматор в день, и художник граффити ночью, Kaws начал subvertising рекламные щиты, автобусные остановки и телефонные будки, используя каркасную ключ одаренный ему друг и коллега граффити художника Барри МакГи . Используя ключ, который он создал для себя, он также начал подрывать автобусные остановки. С тех пор Kaws раскрутил рекламу в Париже , Лондоне , Берлине и Токио .
